Apuntes sobre "lo poético" en el cine

Mucho se habla de la poesía o de "lo poético" en el cine. Lejos está de ser lo contemplativo por contemplativo o lo simbólico gratuito. Mucho menos lo bucólico de un paisaje pegado a un violín u otro tipo de estrategias ya lindantes con el lugar común. Creo que la poesía, LA POESÍA, en mayúsculas, no es más que el hallazgo de secuencias como esta donde forma y fondo se funden en una sola cosa. Un momento dramático que produce infinidad de sentidos a la vez que se nos revela una única y profunda verdad de la vida.

“Paris, Texas”, dirigida por Wim Wenders, es un ejemplo sobresaliente de cómo el cine puede alcanzar este nivel de poesía. La película es una exploración profunda de la soledad, la redención y la conexión humana, y su poder radica en la forma en que utiliza el lenguaje visual y narrativo para transmitir estas ideas de manera evocadora y conmovedora.

La secuencia de la cabina telefónica es emblemática de esta poesía cinematográfica. Desde un punto de vista técnico, la forma en que Wenders utiliza la cámara para enmarcar la conversación entre Travis y Jane es magistral. Al filmar desde el exterior de la cabina, con Travis visible a través de la estructura metálica y Jane en el interior, la imagen misma refleja la distancia emocional entre los personajes, así como la posibilidad de conexión y reconciliación.

Pero más allá de la técnica cinematográfica, lo que hace que esta secuencia sea tan poderosa es el contenido emocional que transmite. El monólogo de Travis es un momento de pura honestidad y vulnerabilidad, donde revela sus más profundos anhelos y arrepentimientos a Jane.

Recordemos que antes, por casi dos horas y media, prácticamente no lo escuchamos hablar. Y aquí él repone todo su pasado, todo su dolor. Y no solo lo dice sino que se compenetra con ella, se imprime literalmente sobre ella. Lo que está sucediendo dramáticamente, está aconteciendo de forma plástico. Esto, para mí, es lo poético.

El análisis de Pasolini sobre el surgimiento del "cine de poesía" en la década de 1960 es sumamente interesante y ofrece una perspectiva crítica sobre este fenómeno cinematográfico. El autor italiano señala que este tipo de cine, representado por obras de cineastas como Antonioni, Bertolucci y Godard, utiliza una técnica llamada "toma subjetiva libre indirecta" para crear una especie de "mímesis visiva" de los personajes. Sin embargo, Pasolini argumenta que esta técnica no es un fin en sí misma, sino más bien un pretexto para la expresión poética del cineasta.

Una de las críticas principales al cine de poesía es su conexión con la ideología burguesa. Él argumenta que la caracterización morbosa de los personajes en este tipo de cine proviene directamente de la ideología, que priva a los cineastas de una verdadera conciencia de clase. En lugar de representar la diversidad de experiencias humanas, el cine burgués tiende a identificarse con una visión particular del mundo, lo que lleva a una representación distorsionada y morbosa de la realidad.

Además, Pasolini sugiere que el formalismo del cine de poesía está intrínsecamente ligado a la evolución de la burguesía hacia el neocapitalismo y el lenguaje tecnocrático. A medida que la burguesía pasa de la paleoindustria al taylorismo, su lenguaje y su forma de expresión se vuelven más formales y técnicos. En este contexto, el viraje hacia la poesía en el cine puede entenderse como parte de un cambio más amplio hacia un lenguaje formalista y tecnocrático.

Pasolini argumenta que el cine de poesía participa activamente en el proceso en curso de materialización del monoclasismo burgués, especialmente en Italia. Este proceso implica un cambio en el lenguaje burgués, donde la burguesía paleoindustrial y comercial, históricamente, nunca logró identificarse completamente con toda la sociedad italiana, sino que impuso el italiano literario desde arriba como su lengua de clase. Sin embargo, con el surgimiento de la tecnocracia en el norte de Italia, este nuevo sector de la burguesía se identifica hegemonicamente con la nación entera y desarrolla un nuevo tipo de cultura y lenguaje nacional.

Para Pasolini, este cambio lingüístico y cultural es parte de un movimiento más amplio de recuperación por parte de la cultura burguesa del terreno perdido en la batalla con el marxismo, es decir, con el proletariado. El cine de poesía, según Pasolini, actúa como un agente activo en este movimiento al adoptar y promover los valores y las convenciones estéticas asociadas con el monoclasismo burgués.

En este sentido, el cine de poesía no solo refleja las tendencias sociales y culturales de la burguesía, sino que también contribuye a su consolidación y perpetuación. Al utilizar la forma subjetiva libre indirecta y otras técnicas estilísticas asociadas con la expresión poética, este cine refuerza y legitima la visión del mundo burguesa, al tiempo que oculta las contradicciones y conflictos inherentes a la sociedad de clases.

Aparte de las consideraciones de Pasolini, me gustaría continuar explorando ciertos momentos cinematográficos que considero excepcionalmente poéticos. En una destacada escena de "El sabor de las cerezas", el protagonista, quien busca desesperadamente a alguien que lo entierre tras decidir quitarse la vida, visita una construcción. En un momento de profunda desazón, la emotividad del protagonista, aunque no conocemos las razones precisas detrás de su deseo de morir, se transmite de manera palpable, casi justificando sus deseos.

Durante esta visita a la construcción, se produce un instante de gran impacto visual y simbólico. El protagonista observa su sombra proyectada sobre una montaña cercana, mientras esta es gradualmente sepultada por la arena que cae sobre ella. Esta representación visual de su sombra siendo enterrada evoca de manera poderosa su deseo subyacente de ser sepultado, aunque no de manera literal, sino de manera aludida a través de la proyección de su propia sombra. Aquí la escena completa:

Esta escena encapsula una profunda coherencia entre la forma y el contenido, ya que el protagonista experimenta visualmente su deseo de ser enterrado de una manera sutil pero impactante. El simbolismo visual utilizado por el director Abbas Kiarostami en esta escena permite al espectador reflexionar sobre la mortalidad, la desesperación y la búsqueda de redención, creando una experiencia cinematográfica que es tanto conmovedora como reflexiva.

Ahora bien y volviendo a la pregunta inicial: ¿Qué es lo poético en el cine?

Cuando hablamos de cine poético, nos referimos a una forma de expresión cinematográfica que evoca una sensación de belleza, profundidad emocional y reflexión similar a la que se asocia con la poesía en otras formas de arte. Sin embargo, el término "poético" abarca un campo semántico diverso que ha experimentado varias mutaciones a lo largo del tiempo.

En la antigüedad, el término "poesía" se refería principalmente a un género literario específico: el texto versificado. Sin embargo, con la llegada del movimiento romántico, el significado de "poético" se amplió mediante un deslizamiento metonímico para abarcar una gama más amplia de experiencias estéticas. En este sentido, se comenzó a utilizar para describir la impresión de belleza y placer que cualquier obra literaria podía provocar en el lector.

Con el tiempo, el adjetivo "poético" se aplicó a otras formas de arte además de la literatura. Se hablaba de la poesía de la pintura, la música, la danza, entre otras. Esta ampliación del término sugiere que cualquier práctica artística tenía el potencial de evocar una experiencia estética similar a la provocada por la poesía.

Finalmente, el adjetivo "poético" pasó a designar el tipo de impresión que una obra o experiencia artística podía producir, sin especificar el objeto que la generaba. Por ejemplo, se podía hablar de un paisaje poético para describir una escena natural que evoca sentimientos de belleza y contemplación.

En el contexto del cine, el término "poético" se utiliza para describir aquellas películas que, a través de su estética visual, narrativa y emocional, evocan una experiencia similar a la de la poesía. Estas películas pueden ser caracterizadas por su atención al detalle, su uso del simbolismo, su exploración de temas universales y su capacidad para transmitir emociones profundas y complejas.

En el ámbito del estudio estético del cine, el término "poético" ha sido utilizado de manera vaga e imprecisa. Numerosos autores han señalado la dificultad de definirlo debido a su amplio y diversificado uso a lo largo del tiempo. Por ejemplo, Steven Dillon sugiere que la palabra "lírico" es un término de aprobación crítica ampliamente utilizado, que a menudo se utiliza indistintamente con "poético" para referirse simplemente a algo "hermoso", sin necesariamente aludir a la poesía como género literario o a la estructura de una obra. Hannah Patterson añade que el término es resbaladizo, especialmente en el contexto de la crítica cinematográfica, y ha sido históricamente asociado principalmente con el cine de vanguardia o de autor.

En esta línea, Karla Oeler señala que las definiciones de cine poético como un modo o categoría cinematográfica siguen siendo provisionales debido a su multiplicidad de significados y formas. Esta falta de una definición fija y ampliamente aceptada ha llevado a la conclusión de que trazar un recorrido diacrónico de las diversas acepciones del término a lo largo de la historia del cine puede ser la única manera razonable de abordar su complejidad.

Personalmente, mi concepción del cine poético se relaciona estrechamente con la capacidad de una película para evocar una respuesta emocional profunda y transmitir significados más allá de lo meramente literal. Esto puede lograrse a través de la estética visual, la narrativa simbólica, la exploración de temas universales o la creación de atmósferas sensoriales. Sin embargo, reconozco que esta definición puede variar según las interpretaciones individuales y los contextos culturales y cinematográficos específicos.

Propongo, entonces, concebir el cine poético como la conjunción perfecta entre forma y fondo, donde los elementos formales dentro de la película se combinan para crear una experiencia sensorial y trascendental para el espectador. En otras palabras, la cualidad poética de una película reside en su composición visual, que abarca la duración de los planos, la iluminación y el montaje, siendo estos aspectos inseparables de la esencia misma de la obra. Como sostiene el concepto de Theodor Adorno, "la forma es contenido sedimentado", lo que significa que la estética de la película no es simplemente un adorno superficial, sino una parte integral que comunica significado y emoción.

Aunque la reacción de la audiencia es importante, el cine poético se define principalmente por su capacidad de involucrar al espectador de manera activa y reflexiva. Por lo tanto, considero que el cine poético es una subcategoría del cine de arte que refleja la visión subjetiva y el estilo del cineasta a través de diversas técnicas de puesta en escena y montaje. Estas elecciones estilísticas y formales no solo enriquecen la experiencia visual, sino que también contribuyen a dotar a la obra resultante de un carácter significativo y vital, haciendo que trascienda más allá de la mera narrativa para convertirse en una expresión artística completa.

Bibliografía

Adorno, T. W. (2015). Teoría estética: Obra completa 7. Ediciones Akal.

Pasolini, P. P., & Rohmer, E. (1970). Cine de poesía contra cine de prosa. Barcelona: Anagrama.

Oeler, K. (2009). A Grammar of Murder: Violent Scenes and Film Form. University of Chicago Press.

Wenders, W. (2001). On film.