Si bien el cine de arte encuentra su esencia más en Europa, su emulación en otros lugares todavía necesita ser descubierta. Frente al inminente impacto de la corriente comercial de Hollywood, los gobiernos europeos, a principios de la década de 1970, comenzaron a percibir una amenaza profunda. Se dieron cuenta de que el cine europeo estaba al borde de la extinción o la completa americanización. En consecuencia, iniciaron políticas que implicaban financiamiento gubernamental e incentivos fiscales para salvaguardar las películas autóctonas y sus valores culturales asociados, formando un contrapeso a Hollywood. La conmovedora narrativa histórica de una lucha prolongada llevó a una comprensión compartida: la supervivencia de los cineastas locales era insostenible sin el apoyo gubernamental. Como resultado, Francia sometió los ingresos de las películas estadounidenses a impuestos elevados para subsidiar las producciones nacionales, mientras que los cineastas alemanes aprovecharon las leyes de evasión de impuestos para asegurar financiamiento significativo a través de fondos mediáticos. La supervivencia del cine de arte europeo se debe enteramente a la protección gubernamental.
Los críticos de cine y académicos perciben el cine de arte como poseedor de "características formales distintas de las películas convencionales de Hollywood". Estas características suelen manifestarse como una conciencia de realismo social, enfatizando la expresión autoral del director, centrándose en los pensamientos, sueños o motivaciones de los personajes en lugar de exponer explícitamente la historia. El académico de cine, David Bordwell, sostiene además que el cine de arte es "un género cinematográfico con sus convenciones únicas".
En 2021, una reciente compilación del Festival Internacional de Cine de Toronto presentó 30 películas no estadounidenses realizadas entre 1946 y 1973, una proporción significativamente mayor en comparación con otros periodos en una lista de las 100 mejores películas. Además, entre sus 25 principales, 12, exactamente la mitad, provenían de esa época. Esta lista encapsula adecuadamente la pregunta de "para quién está destinado el arte" en el cine.
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Es curioso que el origen del cine de arte se dio en algún lugar que no fue Europa. "Intolerancia", dirigida por David Griffith en 1916, es reconocida académicamente como la primera película de arte. Le siguió "El acorazado Potemkin" de Sergei M. Eisenstein en 1925, casi una década después. La duradera influencia de estos dos cineastas llevó a diversos movimientos de cine de arte en varios países europeos en las décadas siguientes. Incluso en la década de 1920, los cineastas europeos diferenciaron colectivamente entre entretenimiento y arte, categorizando las películas en dos tipos: películas de entretenimiento para las masas y películas de arte serias para audiencias conocedoras. Esto llevó al surgimiento de varios movimientos y corrientes de pensamiento, principalmente en España, Francia, Italia y Alemania, entre otros, que incluyen películas de vanguardia, cinéma pur, películas absolutas, películas abstractas, futurismo, neorrealismo y la Nouvelle Vague francesa, entre otros.
La interacción transatlántica resultó en películas de Hollywood a partir de la década de 1930, divididas en adaptaciones artísticas de obras literarias y películas de género de gran apelación. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, más audiencias se dieron cuenta de la distinción entre las películas europeas, representadas por el neorrealismo italiano, y el cine comercial de Hollywood, dando lugar al desarrollo de cines de arte limitados principalmente a ciudades metropolitanas y campus universitarios. Esta conciencia, reforzada por los cines de arte, llevó a un aumento en el número de audiencias que se cansaron de las películas comerciales de gran éxito y se volcaron hacia los cines de arte en busca de una experiencia de visualización alternativa. En comparación, nuestro desarrollo en la industria aún no ha alcanzado la etapa de Hollywood en la década de 1940. Las llamadas "películas de arte" aún necesitan el fundamento para separarse de las películas comerciales convencionales: el eslabón perdido radica en la creación de contenido y el desarrollo de audiencia. En ese momento, el éxito de las películas comerciales estadounidenses se basó en una lista de películas británicas, películas en otros idiomas y películas independientes estadounidenses, junto con películas experimentales clandestinas, documentales, cortometrajes y revivales de clásicos de Hollywood. Sin embargo, debido a restricciones en las cuotas de importación y sistemas de censura, todavía estamos tratando de igualar esta abundante fuente de películas y respaldar una cadena de cines de arte, lo que dificulta incluso la supervivencia de un solo cine de arte.
Cualquier "película de arte" que merezca un lugar en la historia cinematográfica debe reflejar revelaciones sociales, humanísticas y existenciales. Debe ser afilada, no convencional, divergente de las normas convencionales y desafiar los valores predominantes. Su impulso narrativo debe adherirse al realismo de la expresión del director, empleando estructuras de narración fragmentadas y sueltas, y un estilo artístico que enfatice los conflictos internos. Sus personajes suelen encarnar confusión, anormalidad o incluso desviación. Expresan diálogos extensos (a veces monólogos) para articular pensamientos y construir emociones a través de tomas lentas y prolongadas. Formulan preguntas de manera afirmativa (especialmente sobre los dilemas de la naturaleza humana y de la vida) y exploran problemas apasionadamente. Sin embargo, se niegan a proporcionar una resolución lógica y definitiva, dejando a la audiencia desorientada: ¿por qué es así? ¿Por qué la historia se desarrolla de esta manera? Por lo tanto, las películas de arte dependen de una base de fanáticos especializados construida a través de una promoción intelectual de alta calidad y la publicidad boca a boca para sobrevivir. Estas llamadas películas de arte no son escapistas ni puramente para el entretenimiento, sino más bien una experiencia intelectual e estimulante apreciada solo por unos pocos selectos. Debido a su naturaleza de nicho, la sostenibilidad requiere un modelo de bajo costo.
Entonces, ¿para quién exactamente está destinado el cine de arte? En Europa, es arte destinado al gobierno, una forma de subsidiar y nutrir estas llamadas "excepciones culturales" mediante el dinero de los contribuyentes. Sin embargo, los cineastas estadounidenses no son tan afortunados; deben depender de la audiencia para sobrevivir. Así, su trayectoria de desarrollo nunca puede apartarse de la audiencia.
Esto se debe a que esa era se concentró en tres generaciones de cineastas y sus seguidores (veteranos de la Segunda Guerra Mundial, aquellos que crecieron en la década de 1960 y aquellos nacidos después de la guerra hasta la década de 1960). La fusión de estas tres generaciones impulsó la prosperidad del cine de arte mundial en los Estados Unidos, una minoría afortunada. Preferían películas más profundas, como los veteranos de la Segunda Guerra Mundial que una vez sirvieron en el extranjero, poseían una perspectiva internacional y, al regresar a casa, se beneficiaron de la educación gratuita debido a la legislación vigente de bienestar para los veteranos de la posguerra. Estaban más informados sobre culturas no estadounidenses y, por lo tanto, más interesados en películas de arte extranjeras y películas independientes no hollywoodenses. Los pocos afortunados también fueron llamados la generación de la "Edad de Oro": aquellos nacidos a fines de la década de 1920 y principios de la década de 1940 que lograron esquivar la guerra. Disfrutaron del auge de la posguerra y la explosión de expresiones artísticas posteriormente. Los renombrados críticos de cine estadounidenses surgieron de esta generación: John Simon, nacido en 1925; Andrew Sarris, nacido en 1928; Richard Roud, nacido en 1929; Eugene Archer, nacido en 1931; Susan Sontag; Richard Schickel, nacido en 1933, y Molly Haskell, nacida en 1939. Cuando la ola de películas extranjeras surgió, estaban en la edad más perceptivamente aguda de sus veinte y treinta años.
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Además, los rezagados, como Pauline Kael, nacida en 1919, se unieron a las filas en la década de 1950 junto a Sarris. El análisis profesional de estos críticos completó la cadena alimentaria, permitiendo la supervivencia del cine de arte y estableciendo un bucle triangular entre el autor, el texto y el lector. Para la década de 1960, la generación del baby boom, nacida después de la Segunda Guerra Mundial, también se subió al carro del cine de arte, contribuyendo sustancialmente a su impulso.
El apoyo de estas audiencias hizo que el período de 1946 a 1973 fuera la edad de oro del mercado estadounidense de películas de arte. Revistas intelectuales como "Film Comment" y "Film Culture" aumentaron el atractivo urbano de las películas importadas. En pocos años, empresarios ambiciosos comenzaron a comercializar comedias británicas, dramas psicoanalíticos suecos y películas protagonizadas por Brigitte Bardot, llevando eventualmente a la Nouvelle Vague francesa y a las películas jóvenes de la década de 1960. Los distribuidores enfrentaron dificultades para llevar estas películas extranjeras a los cines del lado este de Manhattan, y las audiencias acudieron en masa. Estas "películas extranjeras" (a veces reeditadas, e incluso redobladas o con subtítulos en inglés) se comercializaban con etiquetas "impactantes", "conmovedoras" o hasta "eróticas" para atraer a los crecientes gustos de la juventud urbana y universitaria.
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Esta operación comercial, nacida de la pasión cinematográfica, fue crucial para la supervivencia del cine de arte. Por ejemplo, en ese momento, Akira Kurosawa era menos famoso debido a la falta de un empaque meticuloso, mientras que Ingmar Bergman se convirtió en una sensación de moda. Incluso apareció en la portada de Time en 1960 y ganó consecutivamente premios Oscar a la Mejor Película Extranjera ("La fuente de la doncella" y "Detrás de un vidrio oscuro"). Eventualmente, estos directores extranjeros captaron la atención de los grandes estudios de Hollywood. Dado que los pequeños distribuidores demostraron que estas películas de nicho eran rentables, las grandes compañías comenzaron a abrazar las películas importadas, primero a través de la distribución y luego mediante inversiones directas. Por ejemplo, Columbia Pictures invirtió en películas como "Una mujer casada" y "Masculino - feminino". Esto ilustra claramente que el arte no se separa del dinero, y el dinero no abandona el arte. Con un respeto adecuado por el dinero, es evidente que estas películas extranjeras y Hollywood, arte y comercio, no son irreconciliables; desde el principio, su relación ha sido ambigua: incluso la película más artística depende de un sistema económico para su producción, empaque y circulación. La relación entre el cine comercial y las películas personales, el comercio y el arte no es fija, sino más bien fluctuante. Después de todo, Rembrandt también pintó obras comerciales, y "La flauta mágica" de Mozart fue originalmente una pieza encargada. ¡A veces el buen arte también es buen negocio!
Las películas de arte en la industria cinematográfica estadounidense (Parte 1) | El equilibrio entre la esencia comercia
El cine de arte en la industria cinematográfica estadounidense (Parte 3) | profundidad artística y realidad económica
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