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Wes Anderson é normalmente reconhecido por seu estilo visual único, particularmente seu uso de cor. Entretanto, seria simplificar demais dizer que esse é seu ponto mais forte como cineasta. Na minha opinião, seu talento para criar personagens e histórias cativantes merece atenção igual. Mesmo que seus filmes apresentem paletas de cores diferentes, eles também são conhecidos por suas composições simétricas e retratos nostálgicos de outrora. O que realmente diferencia Anderson é sua habilidade de criar personagens que são tanto absurdos quanto inspiradores, usando humor para explorar temas profundos como perda, família e a busca por sentido. Neste artigo, vamos examinar de perto o estilo único de Anderson e os temas recorrentes em seus trabalhos, assim como analisar como ele cria seus personagens memoráveis e por que o público gosta tanto.
"Não sou corajoso. Só não queria ser uma decepção para todo mundo. Eu sou estrangeiro."
—Nescaffier, A Crônica Francesa
Procurando algo que está faltando
Para entender os filmes de Wes Anderson, podemos começar com a fala acima de Nescaffier (interpretado por Steve Park) em seu filme mais recente, "A Crônica Francesa" (2021). Nescaffier não era uma figura heróica, mas estava sempre pronto para ajudar. Quando Roebuck Wright o chamava de "tenente", insinuando que agia por um senso de dever, ele respondia "Sou estrangeiro", indicando sua preocupação em ser de fora. Antes de perder a consciência, ele disse "Procuro algo que está faltando, sinto falta de algo deixado para trás", revelando sua nostalgia. Como alguém que teve experiências parecidas, não consigo discordar. Como cozinheiro, Nescaiffer está acostumado a descobrir os gostos e interesses dos outros, mas apesar de suas habilidades culinárias incríveis, acha difícil se encaixar na comunidade. As pessoas pedem suas receitas, mas raramente perguntam sobre sua vida. Não descobrimos sua origem porque ninguém se importava. Só quando Nescaiffer faz algo grandioso que as pessoas percebem que é mais do que um cozinheiro.
Não conseguia evitar me perguntar o motivo. Não era só curiosidade, mas também um senso de insatisfação que vivia dentro de mim. Esse sentimento me lembra de Gustave (Ralph Fiennes), o gerente do hotel em "O Grande Hotel Budapeste" (2014). Ele protegia o porteiro, Zero (Tony Revolori), que também era seu amigo, de ser inspecionado por soldados da fronteira. Gustave gritou "Vocês não podem prendê-lo só porque ele é um imigrante. Ele não fez nada de errado!". Nesse momento, acredito que Gustave não estava só tentando evitar decepcionar Zero, mas também ele mesmo. Mesmo que sua motivação profunda continuasse incerta, sabemos que Gustave é um homem de reputação, que contratou Zero depois que ele confessou ter vindo pela reputação do Grande Budapeste. Durante o filme, Gustave continua buscando os "restos" de civilização em todas as situações. Ele simplesmente não poderia aparecer em lugar nenhum sem um perfume decente para falar de sua aparência, pois para deixar uma impressão duradoura além da física, deve-se infundir sua fala com poesia. Gustave era um espírito perdido, mas gentil, que queria que Zero herdasse seu desejo, não só a propriedade. Queria que Zero se tornasse ele, mesmo que nunca tenha dito uma único palavra sobre isso.
Forasteiro vs Simetria
Algumas pessoas descrevem os filmes de Wes Anderson como "excêntricos", e até o próprio Anderson disse que eles são intencionalmente "extravagantes". Sem essas qualidades, personagens como Nescaffier, Zero e Gustave não fariam nenhum sentido. Eles têm o que se chama qualidade de "forasteiro" em situações de vida real. Além disso, possuem essas qualidades não porque fizeram algo errado, mas porque sofreram de circunstâncias além de seu controle, como guerra, doença ou abandono. Eles são desviados, ou em outras palavras, ferrados pelas circunstâncias que não causaram, e, por isso, parecem excêntricos. Logo, Anderson precisa encontrar uma forma de "ferrá-los" de volta.
Nos filmes de Anderson, ele constantemente emprega composições simétricas e planas (conhecidas como Encenação Planimétrica) para apresentar os temas perpendicularmente ao público com a mínima distorção. Este estética chama a atenção da natureza humana em um nível básico, como tudo já está arranjado para a percepção do espectador. Entretanto, quaisquer temas que desviam desse arranjo, incluindo os personagens e objetos associados a eles, vão se destacar e parecer "não tão certos". Isso cria uma grande ironia, já que esses personagens não fizeram nada errado, mas parecem ser as pessoas certas nos lugares errados. Quando combinados com os encontros inesperados que frequentemente acontecem nos roteiros de Anderson, essa mistura de "nada errado" e "não tão certo" pode levar a um sentimento agridoce que também é bem-humorado.
No entanto, os personagens de Anderson seriam menos convincentes se a encenação planimétrica fosse tudo em que confiasse. Anderson domina o truque da simetria como ninguém e também o incorpora à edição. Normalmente, sequencia suas cenas de modo que a próxima ocorra no mesmo período de tempo da anterior, fazendo com que o público sinta que a próxima está respondendo diretamente à anterior. Se prestar atenção a essas sequências, verá como Anderson não mede esforços para tornar seus personagens atraentes, estendendo a simetria aos diálogos, ações, trilhas sonoras e até mesmo à estrutura da história.
Anderson sempre busca um objetivo específico em seus filmes: quase todo personagem deve transformar alguns de seus aspectos ao contrário enquanto o resto permanece. Isso pode soar familiar: "procurar algo que falta, sentir falta de algo deixado para trás". Nescaffier continua estrangeiro e sua identidade permanece como tal. Ele busca a ideia ou a função de "casa" em uma terra estranha, sabendo que seu eu passado nunca retornará. Não importa se vai para casa ou não, sua experiência de estrangeiro já o tornou diferente. Da mesma forma, Zero percorreu um longo caminho para se tornar um porteiro e buscar um novo lar. Ao longo do caminho, precisa sacrificar, afastar-se ou livrar-se de algo para abraçar totalmente sua nova identidade. Essas coisas continuam a alimentá-lo enquanto cresce e se torna alguém novo. Por exemplo, Gustave busca Zero para se tornar alguém como ele, guardando as coisas (o hotel) de uma forma que antes sentia falta. Então Zero meio que repetirá Gustave quando se tornar alguém como ele.
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Que outros itens são vermelhos além da decoração do hotel e da roupa de Madame D (Tilda Swinton)? É interessante notar que quando apenas Madame D e o hotel têm a cor vermelha, o hotel assume uma aparência sutil, mas significativamente diferente, quando Madame D não está presente. Esse fenômeno também pode ser observado em situações da vida real. Às vezes, a mudança é imperceptível, assim como a cor do hotel não mudou na ausência de Madame D, mas ainda era diferente.
marelo e vermelho são cores pouco encontradas na natureza, mas Wes Anderson as utiliza estrategicamente para desenvolver um sentimento nostálgico em seus filmes. Isso cria uma vibração envolvente para o público, embora possam achar difícil mergulhar totalmente no mundo. Após uma inspeção mais detalhada, fica evidente que o uso de cores costuma ser harmonioso e marcante. Embora os elementos fora da tela possam ser redundantes, os personagens desfrutam de um grau significativo de liberdade, permitindo que pareçam vívidos e dinâmicos, independentemente dos problemas que enfrentam. Por exemplo, em Pura Adrenalina (1996), Dignan (Owen Wilson) se veste de laranja brilhante para significar sua nova identidade como membro da tripulação do lendário Sr. Henry, enquanto em O Grande Hotel Budapeste, Gustave sempre aparece em roxo brilhante antes de ser listado como procurado. A cor laranja brilhante de Dignan pode ser interpretada como sua despedida de seu passado, enquanto o roxo brilhante de Gustave é talvez seu manifesto silencioso para sua moda antiga. Anderson demora para nos impressionar com essas cores na trama, assim, quando os personagens mudam de cor devido a novas situações, entendemos melhor a nostalgia deles.
Diálogo Sinfônico vs Orgulho Desvanecente
Embora a simetria na composição possa ser visualmente atraente, o público pode se cansar após vê-la com muita frequência, por isso é ainda mais impressionante ver como Anderson evita cair nessa armadilha. Nos filmes de Anderson, é comum ver personagens lançando (ou vendendo) suas ideias ou planos. Ele elabora os diálogos de seus personagens com cuidado, tecendo o ritmo entre suas palavras para que suas falas literalmente se toquem e ressoem, formando uma sinfonia. Por exemplo:
Julian Cadazio: "Simone, nua. Bloco de celas J. Hobby Room." Eu quero comprá-lo.
Moses Rosenthaler: Por quê?
Julian: Porque eu gosto.
Moses: Não está à venda.
Juliana: Sim, está.
Moses: Não, não está.
Juliana: Sim, está.
Moses: Não, não está.
Juliana: Sim, está.
Moses: Não, não está.
Juliano: Está. Está sim. Todos os artistas vendem todo o seu trabalho. É o que faz de você um artista. Vendendo. Se você não deseja vendê-lo, não o pinte. A pergunta é: Qual é o seu preço?
Moses: 50 cigarros. Na verdade, 75.
Nessa conversa, Julian (Adrien Brody) é o comprador e Moses (Benicio Del Toro) é o criador e dono do item em questão. A princípio, Moses não estava interessado em vender, então a conversa permaneceu casual até evoluir para uma negociação mais formal. Julian teve que usar suas habilidades de comunicação para persuadir Moses a vender, pois estavam em uma situação difícil (estavam na prisão). Sabendo que a pintura não significava nada para Moses, Julian sabiamente iniciou a conversa mencionando-a. O argumento de Julian pode ser menos convincente se ele adotar esta abordagem:
"Eu quero comprar Simone, nua. Bloco de celas J. Hobby Room."
ou
"Você é Simone, nua. Bloco de celas J. Hobby Room?"
Além disso, se Moses perguntasse "Por que você quer comprá-lo?", ele pode não parecer tão sério. Além disso, quando Julian explicou que gostou do trabalho, Moses recusou sua oferta. A questão é que Julian não significa nada para ele nem para o valor de seu trabalho. Em resposta, Julian rapidamente mudou de assunto para "a obra está à venda". Julian rapidamente redirecionou a conversa para o fato de que a obra está à venda. Para Julian, a venda de arte é importante para o significado do artista e para o preço de sua obra. Antes de Moses finalmente concordar que a pintura valia pelo menos 75 cigarros, Julian estava tentando persuadi-lo a aceitar suas ideias. Ele precisava fazer isso com tato e sutileza.
Como esse tipo de diálogo aumenta o sentimento de nostalgia e como a nostalgia, por sua vez, aumenta o drama do filme? Vejamos outra conversa em que Julian promove seu trabalho para o tio, que tem a função de administrar os negócios da família:
Julian: Terminamos com flores e fruteiras. Acabamos com praias e paisagens marítimas. Estamos nos livrando de armaduras, tapetes e tapeçarias também. Eu encontrei algo novo.
[revela a pintura de Moses Rosenthaler "Simone, nua. Bloco de celas J. Hobby Room."]
Tio Nick: Arte moderna?
Julian: Arte Moderna. Nossa especialidade, começando agora.
Tio Joe: Não entendo.
Julian: Claro que não.
Tio Joe: Estou muito velho?
Juliana: Claro que está.
Tio Nick: Por que isso é bom?
Julian: Não é bom. Ideia errada.
Tio Joe: Isso não é resposta.
Juliano: Meu ponto. Você vê a garota nele?
Tio Nick, Tio Joe: Não.
Julian: Confie em mim, ela está lá.
Na pintura, a menina não está presente, mas o espectador ainda reconhece sua ausência ao considerar a forma de arte anterior como ultrapassada. Ao falar em um tom rítmico, o falante cria naturalmente um fluxo de reconhecimento sem necessariamente buscar um acordo. Cada linha é entregue de maneira simples e direta. Se o comprimento de cada linha fosse menor ou maior, o fluxo seria interrompido. Os personagens de Anderson estão se esforçando para alcançar o autorreconhecimento, o que exige que saiam de sua zona de conforto e aceitem circunstâncias desconhecidas. Em um nível mais próximo, esses personagens devem falar de forma decisiva e concisa, pois seu orgulho está desaparecendo rapidamente. Qualquer fala gaguejante ou supérflua mancharia suas crenças anteriormente mantidas, desconsiderando seu status quo prenunciando que suas crenças seriam posteriormente reveladas como ilusão ou fantasia.
Para ser franco, acho que seu mundo havia desaparecido muito antes de ele entrar nele. Mas devo dizer que ele certamente sustentou a ilusão com uma graça maravilhosa.
—Senhor. Moustafa, O Grande Hotel Budapeste
Por último, mas não menos importante
Os filmes de Anderson sempre deixam um impacto profundo em seu público, evocando uma sensação de nostalgia que é passageira e duradoura. Cada vez que assisto a um de seus filmes, fico cativado pelas almas maravilhosas e brilhantes presas em seu mundo. Embora os personagens pareçam satisfeitos com seus finais, fico com um sentimento ambíguo que perdura, lembrando-me de como é difícil dizer adeus. Por meio dos filmes, passei a apreciar a beleza do passado e, ao mesmo tempo, permanecer aberto ao que ainda está por vir. Graças a esses personagens, não tenho mais medo de reconhecer minhas próprias falhas e inseguranças, pois sou lembrado de que não estou sozinho em minhas lutas.
Adeus à nostalgia, talvez seja esse o charme de Anderson.
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