James Wong Howe

El director de fotografía James Wong Howe, cuya carrera se extendió desde las imágenes en silencio hasta mediados de los 70, nació Wong Tung Jim en Canton (ahora Guangzhou), China, el 28 de agosto de 1899, hijo de Wong How. Su padre emigró a Estados Unidos el año en que James nació, y se estableció en Pasco, Washington, donde trabajó para el Northern Pacific Railroad. Wong How finalmente entró en el negocio por sí mismo en Pasco, abriendo una tienda general, que tuvo éxito, a pesar del fanatismo de los locales. Cuando tenía cinco años, Wong Tung Jim se unió a su padre en los Estados Unidos. Su infancia fue infeliz debido a la discriminación que enfrentó, que se manifestó en burlas racistas por parte de los niños del vecindario. Para que los niños jueguen con él, Jimmie a menudo recurría a sobornarlos con dulces de la tienda de su padre. Cuando Jimmie, como era conocido por sus amigos y luego por sus compañeros de trabajo en la industria del cine, tenía aproximadamente 12 años y compró una cámara Kodak Brownie en una farmacia. Aunque su padre era un chino anticuado, sospechaba que le habían tomado una foto y se oponía a su nuevo pasatiempo, Jimmie siguió adelante y fotografió a sus hermanos y hermanas. Desafortunadamente, cuando se desarrollaron las fotos, los jefes de sus hermanos habían sido cortados, ya que el Brownie carecía de un visor. Su sueño de la infancia era ser un boxeador profesional, y cuando era un adolescente se mudó a Oregon para pelear. Sin embargo, su interés pronto se desvaneció y se mudó a Los Ángeles, donde consiguió un trabajo como asistente de un fotógrafo comercial. Sus tareas incluían hacer entregas, pero fue despedido cuando desarrolló algunas fotos de pasaporte para un amigo en el cuarto oscuro de la empresa. Reducido a ganarse la vida como ayudante de autobús en el hotel Beverly Hills, viajó a Chinatown los domingos para ver películas que se filmaban allí. Jimmie Howe conoció a un camarógrafo en una de las sesiones de ubicación, quien le sugirió que probara las películas. Fue contratado por el departamento de fotografía de Jesse Lasky Studios por la suma de 10 dólares por semana, pero el responsable pensó que era demasiado pequeño para cargar con el equipo, por lo que asignó a Jimmie el trabajo de custodia. Por lo tanto, el primer trabajo del cineasta ganador de un Premio de la Academia, James Wong Howe, en Hollywood fue recoger fragmentos de stock de nitrato del piso de la sala de despiece (más importante de lo que parece, ya que los incendios de nitrato en las salas de edición no eran infrecuentes). El trabajo le permitió familiarizarse con las cámaras de película, el equipo de iluminación y el proceso de desarrollo de la película. La suya era una narrativa genuina de Horatio Alger "Up From His Bootstraps", ya que en 1917 se había graduado de asistente de edición para trabajar como niño de pizarra en las fotos de Cecil B. DeMille. La promoción llegó cuando DeMille necesitaba a todos sus asistentes de cámara para manejar varias cámaras en una película. Esto no dejó a nadie que sostuviera la pizarra que identificaba cada escena como un encabezado cuando la toma se filmó en la película, por lo que Jimmie fue reclutado y se le dio el título de "cuarto camarógrafo asistente". conseguir un canario para cantar en primer plano. El cuarto asistente de cámara allanó un trozo de chicle en el pico del ave, y mientras movía su pico para tratar de desalojar el chicle, parecía que el canario estaba cantando. Jimmie un aumento del 50%. En 1919 se estaba preparando para su futura profesión de camarógrafo. "Mantuve la lista de hombres y mujeres (1919)", dijo a George C. Pratt en una entrevista publicada 60 años después, "y cuando el Sr. DeMille ensayó una escena, tuve que arrancar un pequeño contador ... y tendría que moler 16 cuadros por segundo. Y cuando se detuvo, tendría que darle las imágenes. Quería saber cuánto duró la escena. Así que, además de anotar los números de la pizarra y mantener un informe, tuve que rechazar esto. manivela. Ese fue el comienzo de aprender a girar 16 cuadros ". Debido al problema con la película ortocromática temprana que registra los ojos azules en la pantalla, Howe pronto fue promovido a operador de cámara en Paramount (el nuevo nombre de Lasky Studio), donde se notaron sus talentos. Jimmie Howe, un aficionado a la fotografía desde hace mucho tiempo, disfrutó de tomar fotografías y de ganar dinero extra al fotografiar las estrellas. Una de sus clientas fue Mary Miles Minter, "dulce y joven" profesional, del escándalo de William Desmond Taylor, quien elogió las fotografías de Jimmie porque sus ojos azul pálido, que no se registraron bien en la película, se veían oscuros. Cuando ella le preguntó si podía replicar el efecto en una película cinematográfica, él le dijo que sí, y ella le ofreció un trabajo como camarógrafo. Howe no sabía cómo había hecho que los ojos de Minter se vieran oscuros, pero pronto se dio cuenta de que el reflejo de un trozo de terciopelo negro en el estudio que había sido colocado cerca de su cámara fija le había dejado una sombra en los ojos, causando registrate oscuramente Promovido al camarógrafo de Minter, diseñó un marco de terciopelo negro a través del cual la lente de la cámara podría sobresalir; filmar los primeros planos de Minter con el dispositivo oscureció sus ojos, tal como ella deseaba. El estudio estaba lleno de la noticia de que Minter había adquirido a un misterioso camarógrafo chino que hizo que sus ojos azules se registraran en la película. Como otros actores de ojos azules tenían el mismo problema, comenzaron a exigir que Jimmie les disparara, y así nació una estrella cinematográfica. Jimmie Howe pronto avanzó más allá del operador de cámara para ser camarógrafo de iluminación (llamado "director de fotografía" en Hollywood) en Minter's Drums of Fate (1923), y se desempeñó como director de fotografía en The Trail of the Lonesome Pine (1923) el año siguiente. . Como camarógrafo de iluminación, tenía mucha demanda y comenzó a trabajar de forma independiente. Las notables imágenes mudas en las que se desempeñó como director de fotografía incluyen Paramount's Mantrap (1926), protagonizada por "It Girl", Clara Bow, y MGM's Laugh, Clown, Laugh (1928), protagonizada por la silenciosa superestrella John Gilbert junto a Joan Crawford. La cinematografía de "Mantrap" fue su avance como un camarógrafo de iluminación estelar, en el que su iluminación se sumó enormemente a resaltar el atractivo sexual de Clara Bow. Bañó a Bow en un suave resplandor, rodeando la aleta con una luz natural brillante, transformándola en una diosa del sexo aparentemente tridimensional. Incluso en esta etapa temprana de su carrera, Howe había desarrollado un sólido enfoque estético para el cine, basado en una iluminación inventiva y expresiva. La película consolidó su reputación como maestro en el manejo cuidadoso de los sujetos femeninos, una reputación que le proporcionaría su último trabajo medio siglo después, en "Funny Lady (Barbra Streisand 's Funny Lady, 1975)". Jimmie Howe viajó de regreso a China a fines de la década para filmar fondos de locaciones para una película sobre China que planeaba hacer como director. Aunque la película nunca se hizo, las imágenes se usaron más tarde en el Shanghai Express (1932) de Josef von Sternberg. Cuando regresó a los Estados Unidos, Hollywood estaba en medio de una agitación tecnológica cuando las imágenes de sonido estaban terminando la película muda, que había madurado hasta convertirse en un medio de expresión ahora llamado "El Séptimo Arte". La película muda, en una generación, había madurado hasta convertirse en una forma de arte con sus propias técnicas de artesanía, y imágenes como 7th Heaven (1927) y The Bridge of San Luis Rey (1929) generalmente se pensaron que eran ejemplos del "juego de fotos". "Alcanzando la perfección como medio. Este medio maduro ahora fue derrocado violentamente por el revolucionario advenedizo, el sonido. Los talkies habían llegado. El Hollywood Howe volvió a entrar en pánico. Toda la sabiduría sobre la realización de películas cinematográficas había sido desechada por los jefes nerviosos de los estudios, y el nuevo dogma de Hollywood sostenía que solo los camarógrafos con experiencia en cinematografía sonora podían filmar las nuevas imágenes habladas, y así congelar a muchos camarógrafos que habían sido vistos recientemente como maestros artesanos El cine mudo. El director William K. Howard, quien estaba en la preproducción con su película Transatlantic (1931), quería la experiencia de Jimmie Howe. Como acababa de adquirir algunas lentes nuevas con $ 700 de su propio dinero, Howe hizo algunas pruebas para la película, lo que impresionó al estudio lo suficiente como para darle permiso a Howard para contratar a Jimmie para que lo filmara. Una vez más, su carrera prosperó y fue muy solicitado. Obtuvo el sobrenombre de "Low-Key Howe" por su iluminación de interiores de bajo contraste, ejerciendo un control estético sobre los puntos oscuros de un cuadro de la forma en que un gran músico "tocaba" los silencios entre las notas. En 1933 dejó el trabajo por cuenta propia y comenzó a trabajar en MGM, donde ganó una reputación de eficiencia. Le disparó a The Thin Man (1934) en 18 días y a Manhattan Melodrama (1934) en 28 días. Fue en MGM que se le acreditó como "James Wong Howe". El crédito de pantalla original de Howe fue "James Howe" o "Jimmie Howe", pero durante sus primeros años en MGM "Wong" fue agregado a su nombre por la oficina principal, "por su estilo exótico", y su salario alcanzó500 a la semana. Después de tomar 15 fotos para MGM, se mudó a Warner Bros. para Argel (1938), obteniendo su primera nominación al Oscar Jefe de estudio Jack L. Warner estaba tan emocionado por el trabajo de Howe con Hedy Lamarr que contrató a Jimmie para un contrato de siete años. James Wong Howe filmó 26 películas en Warners hasta 1947 y otras cuatro en préstamo a otros estudios. Como maestro en el uso de la sombra, Howe fue uno de los primeros DP en usar cinematografía de enfoque profundo, fotografía en la que los planos de primer plano y los planos distantes permanecen enfocados. Su trabajo de cámara normalmente era discreto, pero podía ser bastante espectacular cuando la narración lo requería. En el contexto de la producción de la época vinculada al estudio, el sentido de la iluminación de Wong Howe es impresionante dado su uso de disparos en la ubicación. El crítico James Agee lo llamó uno de "los pocos hombres que usan este país como fondo, ya que debería ser usado en películas". Wong Howe utilizó fondos para dilucidar la psicología de los personajes de la película y su psicología, como en Perseguido (1947), donde el austero paisaje del desierto sirve para resaltar la psique torturada del personaje de Robert Mitchum. Wong Howe fue famoso por sus innovaciones, incluyendo poner a un camarógrafo con una cámara de mano en patines dentro de un ring de boxeo para Body and Soul (1947) para atraer a la audiencia hacia el ring. Ató las cámaras a las cinturas de los actores en The Brave Bulls (1951) para dar una perspectiva más cercana y más estricta sobre las corridas de toros, un deporte en el que fracciones de una pulgada pueden significar la diferencia entre la vida y la muerte. Fue aclamado por su trabajo revolucionario con rastreo y distorsión en Segundos (1966), en el que usó una lente de "ojo de pez" de 9 mm para sugerir inestabilidad mental. James Wong Howe se convirtió en el camarógrafo más famoso del mundo en la década de 1930, y compró un Duesenberg, uno de los automóviles más prestigiosos y caros del mundo. Su conducción de su "Doozy" alrededor de Hollywood hizo que la vista fuera incongruente, ya que los chinos solían ser jardineros y amas de casa en América antes de la guerra, una época profundamente racista. Durante la Segunda Guerra Mundial, la intolerancia contra los asiáticos se intensificó, a pesar del hecho de que China fue un aliado de los Estados Unidos en su guerra con Japón. Confundido con un japonés (a pesar de haber sido trasladado a campos de concentración lejos de la costa del Pacífico), llevaba un botón que decía "Soy chino". Su amigo íntimo James Cagney también llevaba el mismo botón, por solidaridad con su amigo. Wong Howe estuvo involucrado en una relación a largo plazo con la escritora Sanora Babb, que era caucásica. Las leyes contra el mestizaje en los libros de California hasta 1948 prohíben a los caucásicos casarse con chinos, y la pareja no podía casarse legalmente hasta 1949, después de que se hubieran derogado las leyes. En septiembre de 1949 finalmente se casaron, y Sanora Babb Wong Howe luego le dijo a un miembro de la familia que tenían que cazar durante tres días para que un juez comprensivo se casara con ellos. Wong Howe finalmente compró un restaurante chino ubicado cerca de la autopista Ventura, que manejó con Sanora. Cuando un fotógrafo de un periódico del Valle de San Fernando vino a tomar una foto del restaurante, Howe le aconsejó que colocara una lente de gran angular en su cámara para que no tuviera que estar tan cerca de la autopista para obtener la toma. "Tomaré la foto", le dijo el fotógrafo sin saberlo a uno de los directores de fotografía del mundo, "¡simplemente te importan tus malditos fideos!" Tal vez debido a la picadura del racismo, la hipocresía de un país que lucha contra los nazis y sus políticas de eugenesia que a su vez permitieron la proscripción de matrimonios raciales, lo que le impidió casarse legalmente con la mujer que amaba, o quizás debido a los cebos rojos que consumían Hollywood después de la guerra, la reputación profesional de James Wong Howe comenzó a declinar a fines de los años cuarenta. Perdiendo su reputación de eficiencia, lo calificaron de "difícil de trabajar" y los productores comenzaron a temer sus rabietas en el set. A pesar de que Wong Howe nunca estuvo en la lista negra, estuvo bajo el escrutinio del Comité de Actividades no Americano de la Cámara de Representantes por su propensión a trabajar con "Rojos", "Pinks" y "compañeros de viaje" como John Garfield. Aunque nunca fue llevado delante de HUAC, el buen amigo de Wong Howe, Cagney, había sido un liberal notable en la década de 1930. James Wong Howe sintió el escalofrío sobre la industria por parte de McCarthyism. En 1953, a Wong Howe se le dio la oportunidad de dirigir una película por primera vez, al ser contratado para dirigir una biografía del fundador de Harlem Globetrotters, Abe Saperstein, Go Man Go (1954). La película, que se presentó a los 21 días con un presupuesto de $ 130,000, no hizo nada para mejorar su reputación. Howe logró retirarse de su caída en la carrera, y después de que McCarthyism llegó a la cresta en 1954, ganó su primer Oscar por la cinematografía B + W de The Rose Tattoo (1955), en la que las sombras creadas por la cinematografía de Howe revelan la agitación emocional del protagonista Serafina tanto como las palabras de Tennessee Williams. Dirigió una imagen más, el inconfundible Invisible Avenger (1958), una película B en la que The Shadow, Lamont Cranston, investigó el asesinato de un líder de banda de Nueva Orleans, antes de regresar a su verdadera vocación, la cámara cinematográfica. A mediados de los años 50, Howe había regresado a la cima de la profesión. En 1957 realizó algunos de sus trabajos más brillantes sobre Sweet Smell of Success (1957), un libro de texto sobre la riqueza de la cinematografía B + W. Irónicamente, no fue nominado al Oscar por su trabajo en la película, pero fue nominado al año siguiente por su trabajo de color en El viejo y el mar (1958) y ganó su segundo Oscar por la fotografía B + W de Hud (1963 ). Una vez más, Wong Howe utilizó un paisaje, las áridas y solitarias llanuras del oeste de Texas, para resaltar el estado psicológico del protagonista de la película, el personaje del título amoral y go-it-alone interpretado por Paul Newman. Una de las tareas favoritas de Wong Howe en su carrera fue el rodaje de cinco meses bajo Martin Ritt, una vez en la lista negra en The Molly Maguires (1970), una historia de conflictos laborales, que se rodó en los campos de carbón de Pennsylvania. Su salud comenzó a fallar después del tiroteo, y se vio obligado a retirarse, lo que requirió hospitalización frecuente en los últimos años de su vida. Según se informa, tuvo que rechazar la oferta para filmar a The Godfather (1972), ya que no estaba lo suficientemente sano como para emprender la tarea. Gordon Willis consiguió el trabajo en su lugar. Cuando el productor de Funny Lady (1975) Ray Stark despidió a Vilmos Zsigmond como director de fotografía de su secuela Funny Girl (1968), contrató a Howe debido a su fe en que el gran camarógrafo de iluminación que había hecho maravillas con Mary Miles Minter, Clara Bow, y Hedy Lamarr pudo convertir su estrella en glamour, Barbra Streisand. Howe se hizo cargo del rodaje, pero su salud se agotó al cabo de poco tiempo y colapsó en el set. El ganador del Oscar Ernest Laszlo, entonces presidente de la American Society of Cinematographers, completó hasta que Howe regresó del hospital y terminó el rodaje. Recibió su última nominación al Oscar por su trabajo en la película. Marcó el final de una notable carrera en películas que abarcó casi 60 años. En el momento de su jubilación, ya había sido reconocido como un maestro de su arte, uno de los mejores camarógrafos de iluminación de todos los tiempos, acreditado por haber filmado más de 130 fotografías en Hollywood e Inglaterra. Trabajó con muchos de los directores más grandes e importantes de la historia del cine, desde Allan Dwan en la era silenciosa hasta Sidney Lumet en la década de 1960. Creó tres compañías de producción durante su carrera profesional, una carrera sin límites en la que acumuló diez nominaciones a los Premios de la Academia tanto en blanco B + W como en color (incluyendo Technicolor notoriamente difícil), en formatos que van desde la proporción Academia hasta CinemaScope, todos el domino Un honor aún mayor que sus dos victorias al Oscar se le presentaron. En 1949, cuando fue elegido para filmar imágenes de prueba para la remontada propuesta de la gran Greta Garbo en la película propuesta "La Duchesse de Langeais", tal era su reputación. Sanora Babb Wong Howe escribió después de su muerte: "Mi marido amaba su trabajo. Pasó toda su vida adulta desde los 17 a los 75 años, un año antes de su muerte, en la industria cinematográfica. Cuando murió a los 77 años, fue valiente en una enfermedad como En cuanto a la salud, seguía pensando en nuevas formas de hacer fotografías. Era crítico con la mala calidad en cualquier área de la película, pero era rápido para ver y apreciar lo bueno. Su estilo maduro era realista, nunca naturalista. Si la historia lo exigía, su El trabajo podría ser duro y tener una calidad documental, pero esa calidad era estrictamente Wong Howe. Si la historia lo permitía, su estilo era realismo poético, ya que él era un poeta de la cámara. Esto era parte de su naturaleza, su impulso hacia el hermoso, pero no impidió su flexibilidad para tratar todos los aspectos de la realidad ". Su mayor activo para el cine puede haber sido su adaptabilidad, las muchas maneras en que podía variar su estética al servicio de una historia. Howe inicialmente luchó contra John Frankenheimer por su deseo de usar una lente de ojo de pez para "Seconds". Posteriormente, Howe usó la lente con maestría para transmitir el tormento psicológico del protagonista, encerrado en una pesadilla más allá de Kafkiana, que simplemente confiar en los sets y la iluminación no podía llevar a cabo. Lo había hecho funcionar adaptando su estética a las necesidades de la historia y sus personajes, al servicio de su director. El trabajo de Howe recientemente recibió retrospectivas en el Festival Internacional de Cine de Seattle de 2002 y en San Francisco en 2004, un raro honor para un director de fotografía. Es un testimonio de su continua reputación, más de un cuarto de siglo después de su muerte, como uno de los más grandes e innovadores camarógrafos de iluminación que el mundo del cine haya conocido. Quizás el mayor honor que se le puede otorgar a James Wong Howe es que este maestro artesano, un genio de la iluminación, refuta la teoría del autor, que sostiene que el director únicamente es el "autor" de una película. Nadie podría razonablemente hacer esa afirmación en ninguna foto en la que Howe fuera el director de fotografía.