Cyrus Frisch

El inquebrantable cine de Cyrus Frisch Desde la escuela de cine, el cineasta holandés Cyrus Frisch ha estado pegado a la etiqueta de enfant terrible. Pero si bien eso podría haber sido apropiado para sus primeras películas, la etiqueta ahora está desactualizada. A medida que sus aventuras cinematográficas maduraron hasta convertirse en una serie de meditaciones sobre el alma de la sociedad llena de culpa. El primer cortometraje notable de Frisch en una escuela de cine, el encantadoramente titulado De Kut van Maria (1990) incluye una exhibición rebelde de juegos sexuales desquiciados y suicidas en el baño de un pub con un hombre vestido con un traje de torero y una mujer de talla grande. A continuación, su ópera prima Zelfbeklag (Self-Pity, 1993), le dio al cine-narcisismo una nueva dimensión: el propio Frisch se encoge espasmódicamente frente a un telón de fondo azul y blanco, inicialmente completamente vestido y luego desnudo, antes de intentar ahogarse. en una pecera, mientras el crítico estrella Hans Beerekamp denuncia el corto del director de 1992, Welcome 2. Self-Pity es en realidad mucho más interesante y gratificante de lo que parece: las texturas visuales son hermosas; la configuración descuidada brinda el encanto de las decisiones apresuradas que simplemente se sienten correctas; y hay una ternura poco común en la forma en que Frisch dispara tanto su propia mirada fresca como la piel severa y anciana del periodista. En 1997, Frisch finalmente noqueó a todos con I Shall Honour Your Life...(Honraré tu vida..., 1997), un documental personal y sin pretensiones que explora la muerte de uno de sus maestros, el legendario crítico holandés Hans Saaltink, y analiza qué pasa con una existencia material una vez que el alma ha fallecido.Por casualidad, Frisch estuvo presente cuando murió Saaltink, y filmó lo que sucedió porque no sabía qué más hacer.Los servicios de emergencia llegan demasiado tarde para hacer algo, y Frisch muestra a los espectadores horrorizados por su propia incapacidad para ayudar.La película comienza con una larga escena en el desordenado apartamento de Saaltink, donde los estudiantes y amigos hurgan en sus posesiones y se maravillan de cómo pudo haber vivido en medio de tal caos y haberse descuidado hasta tal punto.Ahora que la persona que mantuvo unido el lío se ha ido, solo quedan piezas sin pegar.La película termina con otra larga escena, esta vez en un crematorio, en la que Frisch documenta los detalles del proceso, incluido el cuerpo de Saaltink ardiendo en el incinerador.Fiel a su título, Frisch de hecho honra la vida y el legado de un crítico que nunca temió lo grosero y la confrontación, y que creía firmemente que mostrar la violencia de nuestro mundo para provocar indignación era lo moralmente correcto. En su próximo gran proyecto, Vergeef me (Perdóname, 2001), Frisch se propuso provocar a los espectadores enfrentándolos con un nivel de miseria que simplemente no podía ser ignorado.El resultado es un fascinante tratado sobre la abyección y el auto-abuso como condición de la sociedad moderna.Frisch reunió a un grupo de marginados, un alcohólico con esclerosis múltiple, un drogadicto, lo que sea, y luego los sometió al escurridor al estilo Jerry Springer, solo que incluso más contundente, hasta que se enfrentaron entre sí en un espectáculo de depravación frenética.Cuando la película fue elogiada por su valentía, Frisch montó una producción teatral itinerante con su elenco de almas perdidas, sabiendo muy bien que ninguno de ellos podría actuar para salvar sus vidas.El espectáculo se convirtió en un fenómeno de culto.Y cada vez que algún miembro ocasional de la audiencia lo acusaba de explotar a su elenco, los artistas insistían airadamente en que estaban felices de participar y tenían el control perfecto.Perdóname sugiere efectivamente que existe un contrato tácito entre los abusadores de la sociedad y sus abusados.¿Cuál es la mejor manera de resumir esta inquietante mezcla de documental de choque, teatro experimental y tratado filosófico sobre ética?¿Qué hay de Full-Contact Funny Games: Netherlands? Lo que nos lleva a Blackwater Fever (2008) y por qué nadie me dijo que se volvería tan malo en Afganistán.Ambos son estudios de desintegración de la culpa y el viaje de la cabeza.Mientras que el primero sigue el viaje de un conductor de larga distancia afectado por la malaria, el segundo se esconde en un apartamento con un veterano de la guerra de Afganistán atrapado en una espiral descendente de peroratas y cavilaciones.El protagonista ensimismado de Blackwater Fever atraviesa un paisaje que comienza pareciéndose a la U.S.y termina pareciendo el Cuerno de África, sembrado de cadáveres y poblado por soldados y civiles asolados por la miseria.No les presta atención a ninguno de ellos, sigue conduciendo en un sueño febril y sólo ocasionalmente se recupera.Frisch nunca deja claro qué es qué: pasado y presente, miedo y deseo se fusionan.Algunas tomas parecen interminables, otras simplemente aparecen y desaparecen de inmediato.Además de la falta de un ritmo discernible, hay ángulos inexplicables, extraños cambios de textura e imágenes de la escuela de HD que cuenta los poros.Sin narrativa y sin pasar nada, el viaje lo es todo.En otro extremo, el protagonista de Why Didn't Anybody Tell Me mira por la ventana de Amsterdam y ve una zona de batalla en imágenes de delirio en cámara lenta;tomas espasmódicas, estáticas y sin color de las cámaras de teléfonos móviles de los enfrentamientos entre los jóvenes inmigrantes y la policía.De hecho, estas imágenes fueron capturadas por Frisch desde su propia ventana a lo largo de los años.El veterano de guerra traumatizado no saldrá.Es demasiado para él.El final de la línea en Blackwater Fever está simbolizado por un pueblo cuyos habitantes, moviéndose lenta y sin rumbo fijo, parecen un cruce entre los supervivientes de Auschwitz y los zombis de una película de Romero.Cuando a Frisch se le impidió filmar esta escena en un campo de refugiados real en Sudán, construyó un escenario en Namibia, lo llenó con extras demacrados y luego envió su estrella.La expresión de horror en el rostro de Fernhout es real: el actor se derrumbó, llorando incontrolablemente.Huyó del set y posteriormente profesó su odio hacia Frisch por someterlo a la prueba.La lección de estas dos películas es bastante simple: el mundo se está desintegrando debido al hecho de que todo se ve y se siente igual para nosotros ahora.Las películas de Frisch encarnan el estupor en el que nos encontramos como civilización. Después de este doble golpe, Oogverblindend (Dazzle, 2009).parece casi convencional.El interlocutor invisible (Rutger Hauer) es un médico de Argentina que ha decidido suicidarse y está haciendo una última llamada telefónica a un viejo amigo.Por error, está conectado con una mujer (Georgina Verbaan) que está en un estado de angustia debido a la violencia que ve en las calles fuera de su ventana.Durante la conversación, se desprende que el médico es cómplice de los crímenes cometidos por la dictadura militar argentina, y es esta carga de culpa la que ya no puede soportar.Frisch, obviamente, apunta a una audiencia más amplia.No hay nada demasiado desafiante aquí, y ofrece actores de renombre, una historia clara e intrigante con un sentido de esperanza y un mensaje político preciso.El último punto es el factor decisivo: para una audiencia holandesa, la conexión Argentina-Holanda es una alusión obvia a la conocida lealtad de la Familia Real Holandesa con los fascistas argentinos (el padre de la Princesa Heredera fue secretario de Estado durante la dictadura de Videla).Y eso, por supuesto, es solo otra de las muchas cosas con las que Holanda es perfectamente capaz de vivir. Olaf Müller