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El Festival de Cine de Sundance, que se celebra anualmente en enero, sirve como plataforma de lanzamiento para películas independientes. Estas películas, menos conocidas y de bajos presupuestos, tienen buena calidad y aprovechan el festival para llamar la atención de distribuidoras y plataformas de streaming. Reforzadas por su exposición en otros festivales internacionales a lo largo del año, es posible que incluso obtengan reconocimiento durante la temporada de premios.
"20 Días en Mariúpol" y "La memoria infinita" son algunas de las películas que se estrenaron en Sundance en enero de 2023 y consiguieron nominaciones a Mejor Documental en los Oscar el 11 de marzo de ese año. Otro ejemplo es “CODA. Señales del corazón", que se estrenó en Sundance en enero de 2021 y ganó el Oscar a la Mejor Película a finales de marzo de 2022.
Pero, ¿qué películas independientes valen la pena este año? ¡Empecemos por las latinoamericanas! Entre los 82 largometrajes seleccionados, cuatro son de países latinoamericanos, dos fueron producidas íntegramente en América Latina, pero se consideran producciones norteamericanas, y una trata sobre inmigrantes latinoamericanos; la mayoría en español. De estas siete películas, cuatro recibieron premios en diferentes categorías.
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- Sujo.
Gran Premio del Jurado Internacional: Drama
Directores de México: Astrid Rondero, Fernanda Valadez
Sujo es un niño de Tierra Caliente, en el centro de México. En un país devastado por la guerra contra las drogas, su ciudad natal es sólo otra zona sin ley. A sus cuatro años, el joven Sujo fue testigo de la brutal ejecución de su padre, un sicario del cartel marcado con el tatuaje “8”. Bajo la protección de dos mujeres que desafían la violencia de las pandillas, crece junto con otros dos niños. Sin embargo, a medida que entran en una adolescencia rebelde, les resulta difícil resistirse al atractivo del cartel infundido de hormonas masculinas. Sujo, ahora marcado con el tatuaje “40”, sucumbe a la atracción, pero logra mantenerse alejado de las pandillas gracias a la cariñosa guía y educación moral que recibió. Luego se aventura a la Ciudad de México en busca de trabajo y educación. Con la ayuda de un conocido, lleva una vida sana y normal en su viaje de la niñez a la edad adulta.
"Sujo" no es sólo una película coming-of-age, sino también un drama realista que profundiza en los temas de las drogas y la violencia, un tema común en las películas ambientadas en México. Sin embargo, a diferencia de las otras películas, no hay una sola escena violenta, no se ve ni una sola gota de sangre.
Las directoras son dos mujeres mexicanas profundamente preocupadas por el urgente tema del crecimiento infantil. Impulsadas por un profundo amor y un fuerte sentido de la responsabilidad, señalan los graves problemas sociales de su país, en particular la situación de los huérfanos de las pandillas, cuyo número se estima en 80.000. Es necesario que la nación y la sociedad tomen nota de esta situación.
Uno de los focos de discusión en Sundance este año es la impactante película, y el público evidentemente espera que “Sujo” se convierta en uno de ellos. Para los realizadores, sin embargo, la perspectiva es clara: “No podemos esperar que una película cambie la realidad; todo lo que hace falta es que ella nos cambie”.
Bonus: Aquí está la entrevista a los directores de “Sujo”, en español.
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2. Gaucho Gaucho.
Premio especial del jurado al documental estadounidense
Directores argentinos y estadounidenses: Michael Dweck, Gregory Kershaw
Uno de los directores de este documental, Michael Dweck, es un reconocido artista visual estadounidense que destaca por su fotografía narrativa. En los últimos años ha incursionado en la dirección cinematográfica junto al director de fotografía Gregory Kershaw. Su colaboración también dio lugar a la película “Cazadores de trufas”, que fue nominada en Sundance y ganó el premio a la Mejor Dirección Documental del Directors Guild of America 2021.
Elaboradas por fotógrafos talentosos, las películas muestran su estética única y, a menudo, colocan la narrativa como telón de fondo de su estilo visual. Su último trabajo, “Gaucho Gaucho”, parece más un documental visual etnográfico; la meticulosa cinematografía eleva la calidad técnica mucho más allá de las obras antropológicas que parecían intactas durante el montaje, igualando la crudeza de sus temas.
Como sugiere el título, el documental gira en torno a la población conocida como gaúcha, que habita en los Valles Calchaquíes, en la provincia de Salta, en el norte argentino. Prevalece la creencia de que las culturas tradicionales de zonas remotas no pueden resistir la marea de la globalización y la modernización; sin embargo, tal vez debido a la estética de los realizadores del documental, se puede ver en la película un firme conservadurismo por parte de los gauchos, especialmente entre los jóvenes.
Un estudiante de secundaria, sin respetar el código de vestimenta de la escuela, insiste en usar el traje tradicional gaucho. Un niño, corta leña en la finca con su padre mientras toma mate, cree firmemente en su futuro y declara: “Voy a ser vaquero”.
Los años pasan a través de los áridos terrenos, los caballos galopan a medida que pasa el tiempo y la gente prospera en compañía de vecinos familiares.
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3. Igualada
Director colombiano: Juan Mejía Botero
La película se centra en la campaña presidencial de Francisca Márquez, líder del movimiento comunitario rural negro colombiano. Como activista negra que desafía el status quo, abrazó con valentía el término discriminatorio "igualada" utilizado contra la comunidad afrocolombiana. Transformado en un grito de guerra, inspira a una comunidad a cambiar su destino y luchar por la igualdad.
En un momento histórico, el 7 de agosto de 2022, Francisca Márquez logró una victoria revolucionaria: ser elegida vicepresidenta de Colombia; hizo historia como la primera vicepresidenta afrocolombiana del país.
Las aspiraciones presidenciales de Márquez surgen de su trabajo en la comunidad La Toma, en la provincia del Cauca, donde se dedicó al mejoramiento social y ambiental. El director Juan Mejía Botero la conoce desde 2006 y trabajó con ella en dos cortometrajes. Por eso, a pesar de enfrentar amenazas de muerte, Márquez decidió participar en la realización de este documental, subrayando la confianza que deposita en el director y el equipo.
Esta película tiene el potencial de seguir influyendo en la sociedad colombiana. Tras su estreno en el prestigioso Sundance, "Igualada" está lista para emprender un hermoso viaje: el director planea llevarla a las remotas selvas de Colombia, donde no hay cines ni servicios de streaming. Planea instalar pantallas de proyección improvisadas y mostrar "Igualada" a las comunidades, recuperando el término que alguna vez fue despectivo.
Bonus: Aquí está la entrevista a los directores de “Igualada”, en español.
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4. Malu
Director brasileño: Pedro Freire
La protagonista principal, Malu, es una actriz de teatro desempleada. Sus emociones cambian constantemente: en un momento abraza cálidamente a su hija que ha regresado de Europa; en otro, se ve envuelta en una acalorada discusión con la anciana madre con la que vive. Por alguna razón, las tres mujeres de diferentes generaciones se reúnen temporalmente en una de las favelas de Río de Janeiro.
Bajo la continua influencia del novio narcotraficante de Malu, sus emociones y su salud se vuelven cada vez más inestables, pero todavía sueña con restaurar sus antiguos días de gloria en el escenario. Malu discute incesantemente con su hija acerca de convertir el patio de la favela en un centro de artes escénicas y ganar dinero mediante formación artística para apoyar sus sueños incumplidos.
La película, que se supone que es un típico drama familiar, parece adoptar el tono de una campaña antidrogas: basta con mirar a las familias destrozadas por los estragos del abuso de drogas en Río, libre del control gubernamental. La película se caracteriza por sonidos ruidosos en tonos altos, lo cual tiene sentido dado que el protagonista es un consumidor de drogas. Su adicción y comportamiento aumentan la tensión entre las tres mujeres.
Sin embargo, puede resultar bastante irritante ver sus incesantes disputas en la pantalla grande: si Malu logra establecer su centro de artes escénicas, es fácil imaginar que el lugar se convertirá en un campo de batalla incontrolable.
Al encontrar insoportables las discusiones entre madre y abuela, la hija decide mudarse a la casa de su padre en São Paulo; pero el deterioro de su madre la lleva a regresar a Rio. Está decidida a intentar entablar una relación con Malu, aunque eso signifique acompañarla en las etapas finales de su vida.
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5. Reinas
Directora peruana: Klaudia Reynicke-Candeloro
“Mis reinas” es como su padre Carlos suele llamar a las dos hijas de la historia. Aunque el título hace referencia a las dos niñas, el personaje central es sin duda su padre, quien pasa sus días deambulando sin rumbo por las calles de Lima –y mintiendo entre dientes: por momentos, dice ser un guionista desencantado con el ambiente artístico del Perú; por otros, se presenta como un ingeniero forestal luchando contra cocodrilos en lo profundo de la selva amazónica; también puede ser jefe de seguridad de una fábrica; o, como le susurra a su hija menor, “un agente secreto de inteligencia nacional que busca terroristas”.
La película está ambientada a principios de la década de 1990, un período turbulento en Perú cuando Sendero Luminoso, un grupo militante comunista, lanzó ataques con bombas contra objetivos del gobierno. Elena, una mujer con una carrera exitosa, recibe la oportunidad de trabajar en Minnesota, Estados Unidos; No veía la hora de sacar a sus hijas de su tierra natal plagada de caos político y colapso económico, pero le quedaba una última cosa: conseguir la firma y aprobación de su padre, Carlos, de quien estaba divorciada.
Así, como todas las historias familiares de contradicciones y reconciliaciones, el padre ausente regresa después de que sus hijas han crecido; restablece una conexión con ellas, potencialmente compitiendo por el afecto con la madre.
Desde las playas costeras durante el día hasta la casa grande por la noche, todo en esta familia de clase media parece normal. Sin embargo, una vez que comienza el toque de queda, resulta una peligrosa aventura salir de casa bajo la atenta mirada y la intromisión de un régimen militar brutal. ¿Hay algo más que se interponga en el camino de las “reinas”? Quizás simplemente tengan miedo al cambio.
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6. Frida. Premio de edición Jonathan Oppenheim: documental estadounidense
Directora mexicana/estadounidense: Carla Gutiérrez
Existen innumerables dramas biográficos y documentales sobre la legendaria pintora mexicana Frida Kahlo. La directora de este último, Carla Gutiérrez, tuvo la oportunidad de demostrar su capacidad para sintetizar y organizar una trama a partir de vastos materiales históricos.
La edición final de esta versión de “Frida” parece haber revisado minuciosamente el material documental del Museo Frida Kahlo. Con esta película disponible, dudo que todavía sea necesario visitar la casa de Frida en la Ciudad de México: la famosa Casa Azul siempre tiene largas colas y es muy difícil poder entrar cuando está llena.
La abundancia de materiales se debe en parte a que la protagonista es un personaje público. Dejó un caudal de imágenes en blanco y negro, documentales familiares, vídeos de entrevistas y extensos diarios –típicos de una artista sensible– para que sus admiradores profundizaran en su vida.
Quizás debido a una profunda reverencia por Frida, el retrato que Carla hace de ella parece centrarse en los aspectos más positivos de la vida de la pintora: por ejemplo, cómo dibujaba para aliviar el dolor causado por un accidente automovilístico; o su serenidad a pesar de conocer las numerosas aventuras de su marido Diego Rivera. Al mismo tiempo, no se menciona la relación romántica entre Frida y el líder revolucionario comunista Trotsky.
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Gran Premio del Jurado Americano: Drama
Directora estadounidense: Alessandra Lacorazza
Imágenes de "In the Summers"
Hasta cierto punto, esta película familiar puede verse como una versión de Nuevo México de la película "Aftersun" de 2022. La película toma la historia de un padre y una hija que pasan juntos las vacaciones de verano y la multiplica por cuatro, convirtiéndola en una colección de historias emotivas que abarca cuatro veranos y la historia de crecimiento de una adolescente. Las dos chicas de "In the Summers" vuelan a Las Cruces, Nuevo México, cada verano, y se alojan en la gran casa con piscina de su padre puertorriqueño; la propiedad es una herencia de su madre y se suma al encanto de este carismático pero peculiar hombre. La película captura cuatro etapas de crecimiento, desde la niñez hasta la adolescencia y la edad adulta, y narra sus luchas y enfrentamientos.
“Soy de aquí”, dice Vincent cuando su hija le pregunta por qué se estableció en Las Cruces y se niega a ir a otro lugar. Aunque Puerto Rico es su lugar de nacimiento, creció en Estados Unidos. A pesar del proceso de envejecimiento, el implacable sol de Nuevo México y la omnipresente mesa de billar en el antiguo bar, el estilo de vida de Vincent sigue siendo el mismo: sumergido en alcohol durante todo el día, se ha convertido en un vaso de whisky impregnado del sabor de la vida. Su hija menor está aprendiendo a caminar y hablar, mientras las dos hijas de su matrimonio anterior van y vienen, convirtiéndose en adultas.
La hija que “salió del closet” podría ser una representación de la propia directora, Alessandra. Como miembro de la comunidad queer colombiano-estadounidense, comparte dinámicas familiares similares y, con el tiempo, ha elegido abrazar su verdadero yo. En las escenas finales, las dos hijas esperan su vuelo para salir de Las Cruces, con una magnífica puesta de sol al final de la pista. Al mirar sus sombras alargadas, Lacorazza puede estar recordando sus propios veranos.
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