'Oppenheimer': La razón detrás de una confesión

Ver las películas de Christopher Nolan evoca una sensación peculiar... Exigen más que solo intuición emocional; uno debe armarse de conocimientos previos antes de aventurarse en el cine. Aquellos que no estén familiarizados con su obra podrían encontrarse desconcertados por cada una de sus obras maestras, mientras que los devotos fans inmersos en el universo cinematográfico de Nolan experimentan un placer único, casi reverente. Es comprensible, ya que sus películas son como rituales completos en sí mismas. Sin embargo, en una época dominada por personajes como Barbie, aquellos en la primera categoría están lanzando un audaz contraataque contra los últimos. Como dice Barbie, "no necesito que me enseñes cómo ver películas". En consecuencia, la próxima película de Nolan, Oppenheimer, entra en este mismo contexto, donde se enfrenta al espíritu innovador de su propia época: la era posterior al movimiento #MeToo.

Considerar la película en sí como la respuesta del director al espíritu contemporáneo podría ser una perspectiva adecuada. La inteligencia artificial, al ser una tecnología innovadora, puede verse como un pacto faustiano para la humanidad. De manera similar, la transición a efectos especiales digitales y la salida de los medios cinematográficos tradicionales son transformaciones análogas en el ámbito del cine. Además, la cultura de la cancelación derivada de la política de identidad parece tener una intrigante relación intertextual con la histórica era del macartismo. ¿Está Nolan usando nuevamente al personaje de Oppenheimer para expresar sus incertidumbres y reflexiones sobre estos fenómenos modernos?

'Fragmentos' como estilo

La textura distintiva de la película se basa principalmente en el uso casi compulsivo de tomas de frente y reversa, con frecuencia emparejando cada toma con el diálogo de un personaje. En lugar de acciones tradicionales y coherentes, las expresiones faciales y las emociones de los personajes ocupan el centro de atención. La película mantiene una banda sonora casi continua, que se alinea con la narrativa fragmentada de la película como una firma del estilo del director, transmitiendo efectivamente la atmósfera emocional de la era del macartismo. Este enfoque puede verse como una elección artística deliberada y una preferencia estética para los cineastas. Alternativamente, puede verse como un exceso de ideas, especialmente cuando el diálogo de los personajes se usa repetidamente para transmitir directamente los temas centrales y los mensajes ideológicos de la película. Sin embargo, la búsqueda de tales estéticas tiene un costo: la narrativa se vuelve desarticulada, los personajes se expresan con brevedad y las teorías complejas pueden ser difíciles de entender. En este contexto, las reacciones emocionales de los personajes tienen más importancia que la representación de eventos objetivos, por lo que necesitan que su diálogo contribuya directamente al equilibrio narrativo general.

La película presenta dos segmentos cruciales: la secuencia de la prueba nuclear y la ceremonia de celebración posterior a la explosión, estructurados deliberadamente como momentos centrales de cadencia. El primero sirve no solo como una exhibición visual impresionante, sino también como un punto de inflexión crucial en la narrativa de la película. El último, marca el "momento de despertar" de Oppenheimer. Estos pasajes ofrecen un homenaje audiovisual casi “ritualístico” del director: la música se detiene abruptamente, devolviendo la película a su esencia fundamental. Resuenan el sonido de las explosiones nucleares y el estruendoso ritmo de los pies que golpean el suelo. El primer segmento representa una hazaña heroica a los ojos de todos, mientras que el segundo nos muestra cómo Oppenheimer descubre que se ha convertido en un portador de muerte y, clarmente, la lucha que le siguió. Uno irradia alegría y el otro encarna la tristeza. El primero representa la euforia de ser parte del mundo, mientras que el segundo representa la lucha por escapar de él. Dentro de la misma película, el director entrelaza ingeniosamente estos valores polares de positividad y negatividad, al igual que los diversos personajes que simbolizan diversas posturas en el juicio de Oppenheimer (asesino, salvador, etc.), lo que también permite que la película resuene con una amplia gama de emociones que los espectadores podrían asociar con Oppenheimer.

El exceso percibido de la película proviene de ciertos pasajes que elaboran la imaginería de la película de manera extravagante y altamente abstracta, complicando aún más la narrativa ya fragmentada. La fábula de Prometeo al principio de la película establece el tono para toda la historia, mientras que la proclamación directa de que 'el mundo ha sido destruido' al final se siente algo tardía y demasiado directa. El simbolismo de la manzana verde envenenada sirve como una alegoría para la creación de la bomba atómica por parte de Oppenheimer. Es posible que las escenas del tribunal existan principalmente para ayudar al público a navegar por la intrincada red de personajes y narrativas, facilitando una comparación entre la realidad histórica y la narración de la película al mismo tiempo que sumerge a los espectadores en las sombras turbias de la era del macartismo. Este enfoque, gamifica el espacio histórico, tratándolo como un rompecabezas complejo que debe ser ensamblado. Esta es una de las técnicas distintivas de Nolan y naturalmente separa a sus entusiastas de aquellos menos familiarizados con su trabajo.

Impactando en la era posterior al movimiento #MeToo

Debo admitir que hace tiempo que no veo tantos hombres blancos mayores en una película de Hollywood. Los dramas históricos suelen convertirse en simples recreaciones históricas. La representación completa de estos 'hombres blancos mayores' está impregnada de los ecos de su época, con personajes femeninos a que son reducidos a símbolos de evolución y vulnerabilidad, reflejando los problemas de ese período. Sin embargo, Nolan ha optado por no conformarse con las tendencias contemporáneas en sus búsquedas creativas.

Al examinar detenidamente el texto, se hace evidente que las dos mujeres en la vida de Oppenheimer sirven como simples manchas en su conexión con la sociedad estadounidense, principalmente como objetos de deseo. Las deficiencias de la película, en cuanto a complejidad y profundidad de los personajes, son evidentes desde el principio. Sin embargo, al considerar estos personajes dentro del contexto histórico, podemos llegar a la conclusión de que la película misma destaca el papel pasivo de las mujeres en las corrientes sociales prevalecientes, lo que les dificulta afirmar su propia agencia en la historia. A lo largo de la película, son movilizadas pasivamente: durante el militarismo japonés, se les asignó a las mujeres la tarea de proteger sus hogares en el "frente trasero", e incluso bajo la influencia de los nazis alemanes, se incitaba a las mujeres a la acción. Cuando se anunciaron los resultados positivos de la prueba nuclear, fueron excluidas de este momento crucial. Oppenheimer no pudo compartir la noticia del experimento exitoso con su esposa, recurriendo a un lenguaje codificado como 'es hora de guardar las sábanas'. En esencia, las mujeres fueron marginadas del escenario histórico. En verdad, un director blanco masculino que carece de la capacidad para retratar auténticamente la imagen y el valor de los personajes femeninos es más propenso a centrarse en un personaje blanco masculino con una agencia histórica incuestionable, como Oppenheimer. En la era posterior al movimiento #MeToo, la demanda de películas que representen con honestidad la subjetividad de las mujeres en la historia ha sido eco de los tiempos. Estas demandas y críticas agudas representan una fase necesaria en la evolución de nuestra cultura.

La Santísima Trinidad: cine, historia y realidad

Christopher Nolan, conocido por sus películas taquilleras, ha defendido el cine tradicional en su trabajo más reciente. Su uso de imágenes reales de explosiones nucleares y la filmación en película reflejan su firme rechazo del cine digital. El conflicto interno y el remordimiento de Oppenheimer mientras desarrolla la bomba atómica simbolizan su lucha por enfrentar los demonios de nuestro tiempo. Cuando combinamos estos elementos, la película puede verse como la forma de Nolan de representar el paso de una era. La comparación entre la bomba atómica y la industria cinematográfica en sí es sorprendente: una vez un arma contra la amenaza nazi, la bomba atómica se transformó en una fuerza parecida al diablo después de la derrota de los nazis. El mundo, después de la detonación de bombas nucleares, no experimentó la paz duradera que muchos esperaban; la violencia tan solo asumió una nueva forma. Persistió con una ferocidad que alimentó divisiones y conflictos globales. Además, la película encapsula la historia del siglo veinte, sirviendo como medio para la propaganda nazi, como se ve en obras como "Triunfo de la Voluntad". Sin embargo, también inmortaliza a los individuos notables que dieron forma al siglo veinte con su brillantez y contribuciones a la humanidad.

La pregunta de si la tecnología permanece neutral es un tema potencial subyacente en la película, aunque no enfatizado explícitamente por Nolan.

En el mundo actual, donde el cine, una vez el medio que grabó la esencia del siglo veinte, ha cambiado frente a las tecnologías emergentes, debemos preguntarnos si todavía tiene la capacidad de iluminar el futuro. El compromiso inquebrantable de Nolan es una forma de resistencia que bordea en lo autodestructivo. Se niega a conformarse con las tendencias contemporáneas y no ofrece garantías sobre la efectividad de su persistencia. En cambio, evoluciona firmemente sus propias estéticas. La película se introduce en la realidad y plantea directamente la pregunta de si debemos empatizar con las víctimas de las explosiones nucleares. El espacio tangible que infiltran es tan enigmático como la era del macartismo. No obstante, el cine, una forma de arte exclusiva del siglo veinte, se basa en el contexto cultural cultivado por el arte cinematográfico del siglo veinte. Antes de que las nuevas tecnologías homogenicen todo, todavía mantiene su estatus como el medio con los atributos culturales más amplios y públicos. Sirve como un recordatorio del momento en que los demonios descendieron a la Tierra y pactaron con la humanidad, dejando a algunos fervientemente arrepentidos...