El éxito y el fracaso de Oppenheimer

Para criticar a Oppenheimer de Nolan, primero tenemos que hablar sobre las obras anteriores.

Las películas de Christopher Nolan comparten dos fundamentos importantes en la actualidad. En primer lugar, la presencia de la tragedia griega. En segundo lugar, la impulsividad y las habilidades técnicas de un cineasta que aparentemente tiene experiencia en ciencias e ingeniería.

La tragedia griega se manifiesta en las películas de Nolan a través de la grandeza y la compasión. Nolan eleva sus obras para explorar los ideales filosóficos de la humanidad sin importar el tipo de material base y el ángulo del contenido. Por lo tanto, puede transformar a una película pochoclera como El caballero de la noche en una fábula distópica y escalofriante.

Le encantan las paradojas y siente una profunda afición por el nihilismo. A diferencia de muchos otros cineastas, Nolan no deja que sus palabras cariñosas lo vuelvan cínico, para juzgar y despreciar al mundo a través del humor negro y despreciar aquello que tiene significado para nosotros, o para distanciarse de todos con fría malignidad. Cineastas como los hermanos Coen, Guy Ritchie y David Fincher presentaron su comprensión del mundo a través de elementos hippies, rock o punk; trivializaron conceptos profundos y pesados. Nolan hace todo lo contrario. Frente a los antes mencionados, mantiene su forma única de dignidad solemne.

Enfrentando los mismos conceptos de paradoja y nihilismo, su objetivo principal no es desentrañarlos y presentarse como el único sabio despierto entre una multitud de ignorantes. En lugar de presentar una sensación de autoelitismo, la amargura y el dolor son los temas perennes que surgen. Está más interesado en retratar las luchas de un individuo que se enfrenta a tales verdades de la vida, sin importar cuán débiles o superficiales sean estas luchas. Su presencia comparte semejanza con la de Albert Camus, uno de los abanderados del existencialismo. Ambos agudos y solemnes, ambos carentes de humor. Porque el humor exige distanciarse de la situación.

Algunas obras de Nolan son brillantes. En ellos, los personajes suelen presentarse como Sísifo. En Memento, recuerdos de un crimen, por ejemplo, el protagonista prefiere sumergirse en el recuerdo erróneo de una venganza no cumplida que afrontar el desconcierto vacío de los recuerdos perdidos. Comparado con el dolor de vivir la vida, es más insoportable no tener rumbo. En El gran truco, el tema de la magia es sólo la decoración de la superficie. Lo que la película realmente presenta es una realidad de la vida manchada de sangre: los milagros no son más que perdurar despiadadamente, descartar la preocupación por el dolor y el sufrimiento emocional y físico, así como enterrar el sentido de uno mismo en lo profundo donde nadie más puede descubrirlo. El vencedor final no es otro que aquel que pudo mantener esta forma pervertida de actuar hasta el final. En El origen, une sueños y realidad. Nuestra propia existencia no es más que una ilusión, una ilusión con un pasado que no podemos mirar en detalle o confirmar. En un ambiente tan desesperado, uno o se emborracha en su ambiente ilusorio o escapa a una “realidad” indeterminada más insoportable.

La misma esencia se aplica incluso a El caballero de la noche. El mundo distópico de Gotham tiene tanta intensidad: ¿preferiría uno ser el Joker, tratar al mundo como un gran basurero, obligar a todos a mostrar su verdadera naturaleza fea y morir entre las luchas y matanzas de estos humanos cuyas naturalezas bestiales se liberan? ? ¿O intentar lo imposible, cargar con todos los pecados de este mundo, mantener intacto el único símbolo de esperanza que queda para proteger la poca fe que posee la humanidad imperfecta y no convertirse en bestia sin alma? Interestelar explora el mismo concepto desde otra faceta: ¿ver morir a tu propia familia para salvar a toda la humanidad, o regresar con tu familia con el riesgo potencial de acabar con la humanidad? ¿Es el valor de un alma comparable al de toda la raza humana?

Estos personajes, atrapados entre la espada y la pared, tienen que tomar las decisiones más difíciles: elegir el mal menor de los dos. Esa profunda e intensa tragedia y la lucha pírrica hasta el final contra el nihilismo se convierte en un choque épico entre la luz y la oscuridad. Ese dolor y esos elementos martiriales forman la base central de las películas de Nolan.

En comparación con explorar la perseverancia de la naturaleza humana, la mayor habilidad de Nolan es utilizar métodos comunes pero extremadamente claros para crear conceptos abstractos sustanciales de la vida. Tiene la capacidad aterradora para dilucidar una historia. En Memento, la humanidad se analiza a través de una forma de cronología inversa extrema. La mayor tragedia de la humanidad se muestra para que la veamos en la revelación final. El origen convirtió los sueños en una forma superpuesta de realidad paralela. Ese sentimiento intrínseco de “toda una vida de sueños, un momento de realidad” se presenta con solidez. Interestelar, por otro lado, vincula intrincadamente nuestro sentimiento de misterio habitual con dimensiones superiores.

Si la paradoja inexplicable pero innegable es el motor más poderoso de las películas de Nolan, su intrincado y sorprendente modelo de narración constituye la parte más encantadora, que atrae a multitudes de todas partes. Esta habilidad sobrehumana suya permite que valores en conflicto se presenten inauguralmente de manera concreta, aunque hasta cierto punto dicha presentación se simplifique a través de modales brutales (como requisito previo). Pero cuando la profundidad y la ambigüedad de las primeras se unen y equilibran las características sencillas y la claridad de las segundas, se vuelven sofisticadas. Evitan que la película quede demasiado profunda, fría y a su vez rígida. Le dan a las películas de Nolan una forma de claridad complicada. Al mismo tiempo, son simples pero profundas. Son estas dos partes de su trabajo las que le permiten a Nolan romper los límites entre las películas serias y las comunes, permitiéndole convertirse en un cineasta que domina las ventas de taquilla de hoy en día en todo el mundo.

En pocas palabras, las películas anteriores de Nolan miran hacia afuera. Ya sea en el contenido o en la forma en la que se presentan, la incansable pasión del director se muestra a través de la precisión matemática. El público puede seguir instrucciones claras y firmes en sus películas, uniéndose a los personajes mientras se embarcan en aventuras físicas y mentales.

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Lo especial de Oppenheimer radica en que es una película introspectiva.

Por la forma en que la película se expresa, tiene un sentido relativamente mayor que el de la tragedia griega. Esto, a su vez, crea la representación más intensa de la ansiedad moral que las otras obras de Nolan no poseen: la ansiedad de Oppenheimer por sus propios pensamientos oscuros, la ansiedad por elegir entre su novia y su esposa, la ansiedad por luchar por amar a sus hijos, la ansiedad por proteger los intereses abstractos de la nación o la amistad personal, así como la lucha moral del bien y del mal por la creación de la bomba atómica.

Estas ansiedades se repiten con discreción en otras películas de Nolan, pero están dispersas de tal manera que hicieron que la película fuera idiosincrásica frente a sus contrapartes de Nolan. Uno es incapaz de captar claramente el verdadero tema detrás de Oppenheimer, mientras que esos conceptos centrales están pintados con letras rojas brillantes en trabajos anteriores de Nolan. Así, las películas anteriores de Nolan atribuyen sus conflictos de valores directamente a sus protagonistas y antagonistas; ya sea Batman de El caballero de la noche contra The Joker, Hugh Jackman contra Christian Bale en El gran truco o Matthew McConaughey contra Michael Cain en Interestelar, su lucha significa la batalla central de valores de la obra. A partir de estas luchas es que se llegan a sentir los abismos entre las personas o sociedades, la oscuridad y el surgimiento final de la nobleza eterna.

Sin embargo, en esta película no se ve a un adversario claro del Dr. Oppenheimer. De hecho, existe ansiedad y tensión entre Oppenheimer y su amante, sus colegas, su gobierno e incluso los compañeros que comparten los mismos valores que él.

En las películas anteriores, cada punto de conflicto a lo largo del progreso de una película era un escalón de una escalera que profundizaba cada vez más en el mundo interior de sus personajes. La cuestión central, innata y esencial, siempre surgía en el momento final; y en ese momento, la brillantez de la humanidad brillaba a través de las decisiones de los personajes ante sus mayores tribulaciones. Podemos resumir que en sus películas anteriores, cada punto de conflicto era el eslabón en la cadena general de la lógica. Si fallaba uno, toda la cadena colapsaba. Y por lo tanto, el universo de Nolan también lo haría.

En esta película, si bien los conflictos entre sus personajes no son indispensables para la lógica de la trama, la película en sí se parece más a una obra de arte: utiliza cada faceta de sus personajes multifacéticos para armar una imagen más amplia.

Si las películas de Nolan anteriores a Oppenheimer son matemáticas, cerradas, esta última es poética y abierta. En términos simples, es una película centrada en describir formas de estado, y sus elementos dramáticos no son más que una capa exterior.

Precisamente debido a esta diferencia de esencia, los espectadores no pueden ver claramente los efectos sustanciales y operativos de cada escena de Oppenheimer. Cada escena es autosuficiente. El estado de emociones del Dr. Oppenheimer, su preocupación por los movimientos sociales, la turbulencia de la era de la guerra, su indecisión sobre el desarrollo de la bomba atómica y su autoinseguridad tienen significados paralelos.

Y todas estas relaciones, estas emociones desiguales pero conectadas, en última instancia, pintan la imagen de una era, una era sombría pero emocionante, pero al mismo tiempo desesperanzadora. Lo que es común, lo que impregna todas las relaciones de la película es de lo que Nolan realmente quiere hablar esta vez. En otras palabras, la trama ha pasado a un segundo plano en Oppenheimer. Una atmósfera inefable se ha convertido en cambio en protagonista.

Este cambio es colosal, ya que la trama de una película es la forma fundamental más aproximada de explicar este mundo. En cambio, centrarse en el estado de una persona es describir el mundo de una manera más humilde. Ya no considera que la lógica sea lo más importante, ya no intenta forzar una respuesta, sino que comienza a respetar las relaciones ambiguas entre las cosas. La poesía nace de tales intentos. El mundo está hecho añicos y el estado del ser existe, aunque borroso, entre ellos.

Por lo tanto, en esta película Nolan no intenta encontrar respuestas. Para usar Red social de David Fincher como ejemplo (ya que las dos películas son similares en este sentido): ambas utilizan una audiencia como ángulo de introducción a la historia. Pero ahí es donde terminan las similitudes.

Red Social busca retratar claramente qué tipo de persona es Mark Zuckerberg, y la clave para eso reside en el rencor profundamente arraigado de Zuckerberg contra el elitista club de Harvard: un genio de la gente y su venganza contra las altas esferas de la sociedad. Es dinero nuevo nacido de una nueva era de Internet. Es un desafío lanzado contra el capitalismo tradicional y su dinero antiguo. Zuckerberg llama la atención de la persona que ama pretendiendo ser el idiota que no es. Construye el negocio más grande del mundo para llenar esa carencia inicial en su corazón. Red social, en esencia, es El ciudadano moderno, y Facebook simboliza el "Rosebud" imperfectamente escondido de Zuckerberg.

Sin embargo, Oppenheimer obviamente no explica por qué el protagonista se convierte en quien debe ser. Ese no es el punto central de la película. La película centra su energía en describir el dilema mental abstracto de Oppenheimer. Este dilema, en verdad, es el colapso de la civilización bajo la influencia de la cultura y las ideologías modernas. Es una persona parada en la oscuridad, sintiendo ansiedad y miedo después de mirar hacia el futuro.

La época de la película es su verdadera protagonista. Las ansiedades y las crisis de Oppenheimer no son más que un reflejo de los tiempos. Estas reflexiones abarcan cuerpos físicos, carreras, emociones y espíritu.

Entonces, ¿qué tipo de época es? Uno sólo puede descubrirlo a través de la discusión sobre la física cuántica y la bomba atómica que se manifestó a partir de ella en la realidad.

El mayor shock de la física cuántica para la humanidad es su forma de libre flujo. Su esencia niega este mundo. Elimina toda forma de certeza y destruye toda la materia sólida. Empuja la nada al centro del escenario, convirtiéndola en la esencia básica del mundo. Sin certeza, el significado desaparece. Este descubrimiento no se produjo simplemente debido a una sesión de lluvia de ideas por parte de un filósofo, sino que se demostró como una verdad, fría y dura, mediante experimentos empíricos.

Si miramos la película desde la discusión anterior, descartamos el vago término “era”, y la física cuántica es el verdadero personaje principal del programa.

Esta es la parte más impresionante de Oppenheimer: convirtió el “tema principal” de la historia en una canción inquietante pero deslumbrante sobre la civilización moderna, donde la partitura principal está escrita sobre la física cuántica y el arma atómica que de ella se deriva.

Todo lo grande y pequeño rodea así esta partitura en una cacofonía resonante. El espíritu y los cuerpos de la humanidad se retuercen y se lamentan ante ello.

En esta película, desde las estrellas gigantes y los agujeros negros del universo hasta los minúsculos átomos y las ondas de energía, todos exudan el mismo tipo de aura: centelleante pero desolada.

El rápido progreso de la mecánica cuántica coincidió con el surgimiento del modernismo en la literatura y el arte. Por lo tanto, mientras Oppenheimer está sumido en la grandeza y la frialdad de la mecánica cuántica, al mismo tiempo camina entre "La tierra baldía" de Eliot y "La consagración de la primavera" de Stravinsky.

Entre las diversas imágenes de la película, destacó en particular la llanura desértica: Los Álamos, una llanura sin nada, es la escena singular más importante de la película. Es testigo del nacimiento de la bomba atómica y, a su vez, del acto inaugural de destrucción del mundo entero. Es el arma que puso fin a la Segunda Guerra Mundial, pero también la única arma que marcó un hito hacia la aniquilación del mundo.

La muerte se ha vuelto inseparable de esta película. Su belleza y crueldad hacen que los personajes de la película se sientan temerosos y al mismo tiempo regocijados. La película comienza con una manzana inyectada con cianuro de potasio, una imagen vívida de la muerte.

Ese deseo impulsivo e infundado de Oppenheimer de envenenar y asesinar a su tutor, y su igualmente inexplicable reversión repentina del acto es de hecho un retrato de su lucha interna entre el nihilismo y la realidad. Instintivamente, no puede resistirse a caer; instintivamente, no puede resistirse a salvarse a sí mismo también.

Debido a tales instintos, ambas relaciones que vivió el Padre de la Bomba Atómica se convirtieron en un proceso de incontrolable consuelo mutuo. Es como dos personas obligadas a mantenerse calientes durante una fría tormenta invernal; se hace por el bien de la supervivencia, una forma básica de defensa contra la inminente destrucción. Ya sea haciendo el amor con Jean mientras recita sánscrito, o besando apasionadamente a Katherine en medio del desierto de Los Álamos, ninguno de estas situaciones se sintieron demostraciones románticas. En cambio, se sintieron como si un hombre que se ahoga intentara salvarse a sí mismo: dos personas desesperadas que se tratan como enredaderas y trepan por ellas para sobrevivir. Los vientos del universo pasan y están presentes simultáneamente, y nadie se resiste a sus gélidos alientos.

La vida se ha convertido en un concepto difícil de existir en esta película. Cada vez que los hijos de Oppenheimer entran en escena, van acompañados de un llanto de angustia. En cambio, el elemento más bello de la película está representado por las llamas durante la detonación del arma nuclear: llamas tan despiadadas que, sin embargo, bailan suavemente en el aire, devorando decisivamente todo a su paso.

Este contraste intencionado resalta aún más los tonos sombríos de la película. El incesante zumbido de la vida y la encantadora atracción de la muerte crean un ambiente de aprensión apasionada, algo nunca antes visto en las películas de Nolan. Aquí es también donde reside el mayor valor de Oppenheimer: este frío sentimiento poético provoca una especie de ambigüedad magnética, una novedad en sus obras.

Las luchas internas del hombre en la realidad y el misterio y el vacío de este mundo se han convertido en dos caras de la misma moneda. Resuenan enigmáticamente con la misma melodía. Y es precisamente por ello que la música cobra un mayor peso en Oppenheimer respecto a otras películas. Estos sonidos y música son las voces interiores del propio profesor Oppenheimer. En las bandas sonoras originales, la melodía principal es ligeramente inarmónica, fluye de bajo a alto y vuelve a lo bajo. Este es el reflejo de los sentimientos de Oppenheimer: represivos pero al mismo tiempo eufóricos. Representa al científico sobre un volcán, pero al mismo tiempo en un sótano de hielo. Además, los sonidos de corrientes eléctricas, pisadas y diversos ruidos, como la lava que fluye, pintan con precisión el mundo interior de Oppenheimer. Al mismo tiempo, estos sonidos retratan el mundo en su actualidad, y nosotros no somos más que bailarines bajo su orquestación.

El intenso ritmo de la narración de la película ya no está diseñado para generar tensión en la trama, sino que se ha convertido en parte de toda la atmósfera. Es el rostro de una era, una era llena de aprensión, una era que avanza rápidamente y que mueve a todos a su ritmo. Son los pasos de una era llena de intenciones asesinas.

Así, la grandeza de la película se crea a través de la visualización simultánea del desierto, la detonación atómica, el pánico en toda la sociedad, así como las propias luchas internas de Oppenheimer. Aquellas partes que no pertenecen directamente a la trama tienen la misma importancia que las acciones de Oppenheimer.

Y es, de hecho, contra este telón de fondo melódico, sombrío, fatídico y monstruoso donde la pasión caótica y conflictiva de Oppenheimer por salvar el mundo parece vicisitudinosa. Todo en la película es un síntoma que habla de su época: esa desolación y magnificencia, esa ardiente ansiedad y vacío, esa desilusión y hambre, esa codicia y miedo, todo empapado y condensado en cada página de la película.

La mayor característica de esta película reside en su carácter poético así como en su capacidad para comprender el mundo a través de la mente de Oppenheimer. Por lo tanto, el hábito de Nolan de dramatizar excesivamente dañó la película en ciertas áreas. Por ejemplo, el papel de Robert Downey Junior como principal antagonista se convierte en el mayor fracaso de la película. Esto se debe a que el verdadero enemigo de Oppenheimer no eran los burócratas sino la era misma, la era que trae tanto malestar como anticipación. Los políticos liderados por Lewis Strauss no pueden soportar el peso de la energía mental de Oppenheimer ni tener valores que puedan compararse con los de Oppenheimer. Son simplemente algunos burócratas celosos del sistema que malinterpretaron al genio protagonista, de manera muy similar a la infundada pero firme decisión de Salieri de hacer de Mozart su enemigo mortal en Amadeus (1984). Este tipo de confrontación iridiscente y secular no va a la par con el abismo interior de Oppenheimer del que la película realmente quiere hablar. Nolan empequeñeció y redujo las contradicciones reales de la película y, al hacerlo, le dio al público una sensación de desajuste y desequilibrio.

También es innegable que hacer que la película sea poética puede causar cierta confusión entre algunos fanáticos de Nolan, ya que la película no tiene un clímax argumental real. Ya sea la detonación o las acaloradas discusiones durante las dos audiencias, en el mejor de los casos son un acompañamiento de las emociones de la película, aunque sean las más fuertes. Así, la película se diferencia de sus predecesoras: no hay una liberación concentrada de tensión dramática derivada de la lógica típica de las obras de Nolan.

Considerándolo todo, Oppenheimer es un intento admirable de Nolan. Antes de esto, pudimos observar la exploración como director de Nolan en otro nivel: Dunkerque y Tenet. Lamentablemente, sus narraciones no parecen haber salido bien. Cuando Nolan lucha por encontrar algo que lo entusiasme en términos de expresión, intenta hacer más trucos con la forma. Por desgracia, estos métodos son ineficaces, ya que ser demasiado complicado hace que el trabajo sea aburrido y poco sofisticado.

En Oppenheimer se puede sentir el desequilibrio argumental, pero, como un volcán, encierra una energía explosiva.

Desde este ángulo, siempre es más importante cómo se lleva a cabo una expresión que la expresión en si misma. En esta película, se pueden ver los esfuerzos de Nolan por abrir nuevos caminos en contra de sus viejos hábitos cinematográficos. Tal conflicto provoca incomodidad, pero al mismo tiempo hace que se sienta una rara emoción trascendental debido a su avance. Semejante sentimiento conlleva a su vez un impacto sutil e indescriptible.

Si hay algo que no se puede perder es la grandeza. En lo que respecta a las imágenes, Oppenheimer es comparable a Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, 2001: Odisea al espacio de Kubrick o Stalker: la zona, de Andrei Tarkovsky. Juntos, intentan dilucidar el destino de toda la raza humana, escudriñar la esencia de la civilización y medir nuestro mundo material y espiritual en la mayor escala posible. La seriedad y agudeza inherentes de Oppenheimer le dan a la película un temperamento rara vez visto en las películas de Hollywood de los últimos años. Su solemnidad y fuerte sentido de moralidad brindan una experiencia impresionante a sus audiencias.

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